Escenario

Escenario (67)

Concierto conversatorio con Mauricio Canedo

Por Claudia Gonzales Yaksic

En el auditorio de la Alianza Francesa de Cochabamba, este viernes 21 de septiembre a las ocho de la noche, el talentoso músico, compositor, guitarrista y productor musical Mauricio Canedo estará como protagonista del espacio Viernes Musicales, en un concierto conversatorio que tiene el ingreso libre y es auspiciado por ENDE Transmisión y Amalia Canedo Producciones, donde tocará las canciones que conforman su primer disco en solitario, “Mao Khan”, que ha sido lanzado en abril de este año y presentado en las ciudades de Cochabamba, La Paz, Santa Cruz y Sucre.

Mao Khan es el nombre artístico con el que el cochabambino Mauricio Canedo se dio a conocer en Buenos Aires, Argentina, donde estuvo los últimos años viviendo, estudiando y trabajando, y donde también grabó esta su nueva producción que está compuesta por nueve canciones, cuya letra y música le pertenecen, y donde fusiona con su característica maestría estilos musicales diversos como el jazz, folklore y rock.

Con este 2018, ya son 15 años que Mauricio Canedo está dedicado profesionalmente a la música y en todo este tiempo, además de ser fundador e integrante de Quimbando, ha trabajado –componiendo, tocando y haciendo arreglos, dependiendo el caso—junto a otros también talentosos músicos, como Willy Claure, Alejandra Lanza (Timpana), Sariri, Tincho Castillo, Marcelo Arias, Danilo Rojas y Marcelo Peña, entre otros.

La siguiente una entrevista virtual conseguida por Plaza Catorce con Mao Khan.

¿Qué músicos te acompañarán en el concierto del 21 de septiembre?

Para esta ocasión estaré solo con mi guitarra.

¿Cuáles son los temas musicales a los que darás prioridad?

Tocaré temas de mi último disco, algunos temas de la etapa de Quimbando y un par de  temas inéditos que compuse este año (algunos nuevos monstruitos).

Este 2018 cumples 15 años de carrera artística. ¿Cómo evalúas tu trabajo. Estás contento con los resultados?

Depende a qué aspecto te refieras. Por un lado, creo que el hecho de haberme dedicado a la música tiene que ver con una necesidad personal de expresarme y se consolidó con la fundación de Quimbando. Ese impulso duró 10 años, en los cuales produjimos cuatro discos con nuestras canciones y exploramos muchos estados de ánimo. Desde esos días, comencé a encariñarme con esta forma de vivir. Desde ese lado siento una gran satisfacción de continuar dedicándome a esto, me siento agradecido con la vida: el impulso inicial tomó vuelo. Con el tiempo, aprendí a darle un valor a mi trabajo y ahora puedo sobrevivir de hacer la música que me gusta y que además es mía. En este momento, aprendí a valorar más el proceso, porque luego de conseguir un producto deja de ser tuyo, ya está fuera, ahora sólo puedes contemplarlo. Por otro lado, siento una especie de desconexión general, puede que se deba a que hoy todo gravita principalmente en la virtualidad y muchas veces  me niego a ello, cayendo en anacronismos. 

Crear, componer y producir un disco es una tarea que, además de profesionalismo, demanda recursos económicos. ¿Cómo has financiado tu primer disco en solitario?

Una parte con un dinero que pude ahorrar dando clases y tocando, la otra con el apoyo de las personas que hicieron la compra anticipada del disco y la última con la gente que asistió y asistirá a los conciertos (o al menos eso espero porque aún no lo termino de pagar).

¿Cómo te fue con tu primer disco en solitario? ¿Cuál fue la respuesta del público?

Podría decirte lo que busco: que la música suene siempre de la mejor manera posible y que como músicos seamos capaces de disfrutar cada momento, no guardarnos nada, según esos indicadores, creo que la recepción estuvo buena, es lo único que podemos ofrecer a la gente que va a escucharnos. Respecto a lo de solitario, pienso que un disco es un inventario del trecho de vida que representa y luego es como volver a empezar, siempre de nuevo. Es bueno cambiar los ojos de tiempo en tiempo, para mantener las ganas de tocar.

Luego de que estuve prácticamente encerrado en mí mismo durante tres años, volví a ver gente. Si no fuera porque hago música y me dedico a hacer discos, no saldría nunca de mi casa y si no tuviera casa, estoy seguro de que dormiría en el asiento de alguna plaza, o en la ladera de algún cerro en el que no hayan casas, alimentándome de hojas secas y viviendo debajo de algunas matas, o me dedicaría a algún otro trabajo que me permita hacer de mi ocio un tiempo siempre creativo.

¿Hay más conciertos en agenda para este mes de septiembre y los próximos?

Sí, octubre estaré en Santa Cruz y en La Paz, estos días sabré las fechas exactas.

¿Actualmente estás radicando en Bolivia?

Sí, en Cochabamba

¿En qué proyectos andas embarcado?

Ahora en Mao Khan y en el “8B departamento cultural”, un espacio que abrimos junto a mi compañera Gabriela Olivera, con el objetivo de brindar un nuevo espacio a artistas y talleristas. Me dedico también  a la docencia en música. Ahora ando dando clases en la EPA (Escuela Popular de Artes). Hace algunos meses conocí a Mohamed Yoshry, un músico egipcio que llegó para quedarse en Cochabamba, que es un maestro del laúd árabe, y junto a Miguel Crespo (en la percusión), armamos un trío en el que haremos música oriental, es un proyecto que está comenzando a sonar bastante bien. Luego, tenemos pensado juntarnos con Chelo Arias para hacer algunos conciertos como dúo, ya que nos encontramos de tanto tiempo, pensamos volver a hacer algo juntos. Estará lindo. 

¿De dónde crees que viene esa tu capacidad para lograr fusionar con éxito ritmos musicales distintos?

No lo sé, imagino que de mi incapacidad de concentrarme: la única manera en la que puedo concentrarme del todo es cuando trabajo componiendo y las cosas van tomando su propio orden. No es que decida hacerlo de esa manera, la verdad es que no puedo hacer una cosa por mucho tiempo, me aburro con facilidad y para divertirme comienzo haciendo lo primero que me sale y luego, en el proceso, voy dando a las ideas una forma con la que creo que podrían entenderse mejor, aunque el entendimiento es solo una ilusión, todo siempre se interpreta. El estilo, por otra parte, no es algo que busco, pienso que el estilo es algo que se puede ver desde afuera, es muy probable que yo posea uno, aunque no de manera completamente consciente.

Para componer letras musicales, creo, se necesita una sensibilidad de poeta/escritor que has demostrado en tu trabajo. ¿Qué relación tienes con la escritura?

No sé si el hecho de escribir una letra te convierte automáticamente en un poeta, ni que un poeta sea pura sensibilidad. Es cierto que, para absorber las cosas que se manifiestan de manera casi imperceptible en el mundo, es necesario un radar; pero también es necesaria una cierta tozudez racional para poder transfigurar la realidad y convertirla en un poema. Matilde Casazola le llama al poema “la carne de los sueños”, porque el sueño puro no es capaz de mostrarse así mismo, no sabe siquiera que existe, necesita por ello carne y el poema es su carne, en ese proceso debes tratar de ser lo más fiel posible a una idea inicial que cambia todo el tiempo, inevitablemente, como los recuerdos, y debes atarte a esa idea, y en ese momento decodificarla y anotarla.

La relación que tengo con la escritura es bastante íntima, me refiero a que tengo la costumbre de escribir por escribir, sin ninguna otra intención, ligado a una sensación de responsabilidad, que surge del hecho de que estamos irremediablemente condenados por el tiempo. El tiempo finalmente tampoco puede revelarse a sí mismo, es por eso que el poeta escribe, al escribir el poema, le da al tiempo corporeidad, mientras lo demás envejece. Todo esto no es más que un juego de posibilidades, con dardos arrojados al azar, los poemas, las canciones son una especie de cápsulas de tiempo.

Etiquetado como

Homenaje a Carlos Santana por Glen Vargas

Por Plaza Catorce

Glen Vargas, con su magistral guitarra PRS, estará este viernes 7 de septiembre en Cochabamba junto a sus músicos invitados Fernando Leaños, Xavier Betancourt y Daniel Pesce, haciendo un repaso de los mejores himnos de Carlos Santana: "Europa", “Samba Pa Ti”, “Black Magic Woman”, "Guajira" y "Corazón Espinado",  sin olvidar la interpretación de "Soul Sacrifice" en el Woodstock del ´64 y sus éxitos más recientes como “María María”, y “Smooth”, entre otros.

“Estos temas son una pequeña muestra de lo que se podrá escuchar en un ambiente acorde a esta década aniversario con un montaje impecable y con una producción que se ha esmerado en presentar un espectáculo imperdible”, dice Carlos Velasquez, manager de la legendaria banda de rock cruceña Track, liderada por Glen Vargas.

El concierto homenaje está programado para las 20:00 en Candela, lugar donde Vargas, Leaños, Betancourt y Pesce estarán acompañados –para completar la formación—por Roy Vargas en el bajo, Glen Vargas Jr. en la guitarra rítmica; Jeremías Méndez en el piano y Eduardo “Rey León” Ibacache en los teclados. “Como ingrediente adicional  y para ponerle el sabor latino a cada una de las canciones, tendremos en los instrumentos de percusión a Alejandro Yaguaracuto (batería), Pablo Crespo (timbales) y Gonzalo “Cachorro” Miranda (congas)”, asegura Velasquez.

“Septiembre será el mes donde los grandes homenajes se hagan sentir” –sentencia Carlos y cuenta que: “Hace diez años se lanzaba el primer gran tributo a un músico internacional con intérpretes que marcaron historia. Hoy, los años han creado una especie es misticismo alrededor de aquel primer tributo al Gran Santana”.

“Se ha preparado una noche acorde a la ocasión y será una cita para los que gustan de los éxitos de Carlos Santana. La venta de entradas está habilitada en el Rock Shop al igual que las ventas a domicilio que se han implementado con el fin de que las personas obtengan los tickets con las mejores ubicaciones (plano general) en la comodidad de sus oficinas o domicilios”, especifica el manager de Track.

El costo de las entradas es Bs 120 Súper VIP y Bs 80 VIP. Los números de información, reserva y venta a domicilio son 703562197 y 72277774.

Etiquetado como

Crítica sobre “Las Mujeres de Shakespeare”

Por Galia Yaksic (*)

La pequeña es muy aficionada a leer Shakespeare. Tiene la colección de sus obras de teatro y las ha leído casi todas, algunas varias veces. Es una conocedora de esa literatura porque la disfruta profundamente y, además de los temas shakesperianos, las tramas y la belleza del lenguaje, a ella le interesa mucho la voz que se les asigna a los personajes mujeres, y de todas ellas, Deva prefiere la de lady Macbeth. Así que, muy entusiasmada, la pequeña fue a comprar entradas con anticipación y con toda expectativa estuvo “en punto” para entrar a ver la obra Las Mujeres de Shakespeare del grupo de teatro A Rajatabla, una obra que se presentó en el teatro Achá el 21 de agosto.

Llegamos a una antesala relativamente llena. Pronto nos enteramos que la sentada era “sálvese quien pueda” o –un poco más de esta época—“arréglatelas”, porque las entradas no tenían taquilla. Tristes las dos, terminamos en una de las loreras viendo desde el tercer piso toda una fila de nueve que brillaba vacía en platea (casi hasta el tercer acto). Demás decir que el gobierno sobre uno mismo no va muy bien en la Bolivie. El público era joven (¡qué bueno!) y mientras los diálogos se desarrollaban, se escuchaba a la gente hablando y discutiendo sobre números de asiento y taquillas y butacas. Muchos llegaron tarde o muy tarde y como seis personas olvidaron –una y otra vez—apagar su celular. Papitos…

Julieta, Ofelia y Desdémona aparecieron en una escenografía pobre. Una cama a la derecha, con colchas de seda y satín. Una especie de pedestal al centro con Ofelia balanceando los pies sentada en la altura. Y un mesón type a la izquierda, sobre el cual Julieta estaba sentada o recostada y tras el cual había toda una licorería de la que el personaje adolescente sacaba de rato en rato botellitas con licor.

Después de leer la sinopsis de la obra:

"La pieza teatral reúne a cuatro personajes íconos de la literatura clásica de William Shakespeare: Julieta de “Romeo y Julieta”, Ofelia de “Hamlet”, Desdémona de “Otelo” y Lady Macbeth de “Macbeth”. Dichas mujeres nos comparten sus vidas desde su perspectiva con humor, visualizando a la mujer a través del tiempo, el amor y la sociedad.

Obra contemporizada al 2018 sin perder la esencia y cualidades de los personajes clásicos y resaltando los prejuicios que aún permanecen a través de las generaciones."

Sé que la intención era muy buena. Y, en mi filosofía: eso es lo 
que cuenta.

Sin embargo, debo confesar que –mientras veía a las actrices caminar en camisón y hablar como los personajes de Gosip Girls—casi en tono de súplica repetía en mi corazón: Merlo, Merlo…Where are you? Teatro de los Andes…I miss you. ¿Dónde están mis “Bonitas”? En algún momento de nuestra honorable historia teatral permitimos que la cultura del “one click” coopte este tan sagrado arte y lo vuelva esto, un facilismo más del siglo XXI.

En honor a la verdad, los personajes mujeres en Las mujeres de Shakespeare, no “nos comparten sus vidas desde su perspectiva con humor, visualizando a la mujer a través del tiempo, el amor y la sociedad” si no que parafrasean los resultados de una revisión rápida en Google y Wikipedia sobre las tragedias shakesperianas de las que fueron parte. Casi como cuando leo una tarea de universidad hecha a la rápida, la superficialidad de los diálogos, de la trama, de la conexión entre los personajes me resultó abrumadora. Después de algunos minutos, ya sabía yo que, si Julieta lloraba, nadie, ni las personas que estaban a su lado, podía saber qué estaba diciendo. El chillido ese era tan NO profesional, tan burdo que me puso una y otra vez en la disyuntiva de escoger entre tratar de adivinar y desconectar: obviamente desconecté, una y otra vez.

Mi amiga Desdémona tampoco hacía esfuerzo alguno por darle algo de vida a la larga y agotadora lista de observaciones psicoanalíticas que no se cansó de realizar durante las casi dos horas en el escenario. Y, por algo de vida, quiero decir: “modular” “aumentar el volumen” “vocalizar”, como si estuviera en la necesidad de comunicar algo, a un amplio número de personas, en un teatro y sin micrófono. By the way, quien ha leído, aunque fuera una sola vez alguna de las cuatro obras, después de escuchar las peroratas de Desdémona, los chismes de Julieta o las anécdotas de Ofelia, no añade absolutamente nada nuevo a su disfrute y/o conocimiento sobre el autor, los personajes, ni la tragedia en cuestión.

Una actriz genuina es la que interpretó a Ofelia, pero a intervalos, esa importantísima cualidad artística se vio completamente nublada por un guion en el que el espíritu de la muy trendy sororidad está completamente mal entendido y hasta abusado (i.e. en algún momento, llaman a las mujeres mayores/suegras: chancho, víbora, rata, etcétera). Todos, absolutamente todos los estereotipos negativos sobre la mujer joven, fueron confirmados casi sistemáticamente y sin piedad en el guion. Si, de verdad tenemos que unir el llamativo título de la obra con lo escuchado, es fácil concluir que las mujeres de Shakespeare se reducen a un grupo de amigas que se reúne para farrear, usar el lenguaje criollo postmo para analizar a los hombres de Shakespeare o para hablar (mal) de sus ñatos y reconocer la una en la otra el erotismo mojigato tan representativo de la Llajta.

No sé qué se hará en la obra “En el Taller de Shakespeare” de Horacio Oyhanarte (en la cual esta producción de Rajatabla se basó), pero fueron demasiadas disonancias chocantes, rampantes e impunes en Las Mujeres de Shakespeare como para tomar en serio esta obra.

Estirando la buena voluntad característica de la compasión que estamos tratando de cultivar, podría decir que los aspectos positivos fueron: son jóvenes haciendo teatro, se animan a presentarse así, de alguna manera consiguieron el teatro Achá, las artes gráficas impecables y el precio (cobraban más y hubiera sido indignante).

Como con los alumnitos queridos, mi nota al pie es: no es hacer nomas, hay que hacer bien y para eso hay que darle tiempo. Después del “click” sobre el mouse, es necesario CONTEMPLAR para que, en vez de un pobre primerísimo primer borrador de informe, nazca una obra de teatro trabajada, esto es: provocadora, creativa, substancial, (en este caso) jocosa, con voz propia, capaz de enriquecer a todos por igual (elenco, logística, sonidistas, músicos, iluminadores, público, parientes, amigos, ratones del teatro, etcétera). El ímpetu de los escritores por escribir, de los actores por actuar, de los productores por producir, de los directores por dirigir debiera traducirse en ganas de trabajar perfeccionando su espacio responsablemente. Eso es el arte: un noble servicio que eleva a la humanidad entreteniéndola.

Como el tiempo es precioso (por joya no desperdiciable), nos fuimos antes que la señora Macbeth entrara en escena, lo que molestó mucho a la pequeña. Espero compensar esto en un futuro cercano, ojalá con la misma obra, ya en versión final (o en limpio), a manera de reivindicarnos todas con todas.

(*) La autora es escritora, tiene una licenciatura en Comunicación Social por la Universidad Católica Boliviana y una maestría en European Languages and Literatures por la Universidad de Cambridge.

Etiquetado como

Festival de Música Misional y Teatro Chiquitos

 

Este 25 y 26 de agosto se desarrollará, en nueve municipios cruceños, el Festival de Temporada de Música Misional y Teatro Chiquitos 2018, del que participarán 390 artistas. En total serán 16 grupos (dos de teatro y 14 de música) que ofrecerán 26 espectáculos gratuitos, según han informado los organizadores a través de un comunicado de prensa.

Los escenarios serán las poblaciones de San Xavier, Concepción, San Ignacio, Santa Ana, San Miguel, San Rafael, San José, Roboré y Santiago de Chiquitos, donde ser presentarán el Coro y Orquesta Misional de Santiago de Chiquitos; el Coro y Orquesta Misional San Xavier; el Coro y Orquesta Municipal de Concepción; el Coro y Orquesta Municipal de Cotoca; el Coro y Orquesta Municipal de San Ignacio de Velasco, el Ensamble Padre Martin Schmid, la Escuela Inclusiva de Música FASSIV, la Orquesta de Cuerdas Infanto Juvenil Paz y Bien, la Orquesta de Cuerdas San Rafael de Velasco, la Orquesta de Cuerdas Santa Ana, la Orquesta Misional de Los Santos Desposorios, la Orquesta Municipal de San Carlos, la Orquesta Municipal Misional San Juan Bautista de Porongo y, finalmente, la Orquesta Infantil de San José de Chiquitos. Por su parte, el toque de las artes escénicas lo pondrán los elencos de  Teatro 4X4, Cattleya ExpressArte y la Opera San Ignacio de Loyola.

De forma paralela, los municipios han preparado una nutrida agenda  con más de 60 actividades que contemplarán desde visitas guiadas por los museos, ferias gastronómicas y artesanales hasta veladas culturales.

ELLOS TIENEN LA PALABRA

“Para mí, participar del Festival de Temporada  es una forma de compartir, de demostrar nuestra cultura y talento a través de la música de cada región… Es ganar experiencias y conocer lugares”, dice Teófilo Uraezaña, director de la Orquesta Municipal de San Carlos. Por su lado, Simón Aguape, director de la Orquesta Misional de los Santos Desposorios, asegura que este festival: “Es un evento musical donde los músicos, coros y orquestas, demuestran el trabajo y la calidad interpretativa en un alto nivel”.

“Es la oportunidad de mostrar el trabajo que venimos realizando en Cotoca, de brindarle a los niños la posibilidad de conocer nuevos lugares, demostrarles que todo lo que venimos trabajando es recompensado con estos viajes. Por último, difundimos la música misional y mostramos a los visitantes lo rico de la cultura e historia de las Misiones. También es importante porque representamos bien a nuestro municipio y a nuestro alcalde que confía mucho en nuestro trabajo”, señala Edgar Joaquín Salazar Gonzales, director del Coro y Orquesta Municipal de Cotoca.

El Festival de Temporada de Música Misional y Teatro Chiquitos es organizado por la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC), el Centro para la Participación y el Desarrollo Humano Sostenible (CEPAD) y los Gobiernos Municipales de San Xavier, Concepción, San Ignacio, San Miguel, San Rafael, Roboré y San José. Este festival se realiza desde el año 2006 “con el objetivo de dinamizar el turismo hacia la región, impulsando la música barroca misional, que caracteriza a las Misiones Jesuíticas de Chiquitos, e incorporando al teatro como parte de la oferta cultural”.

“En el Festival de Temporada son los coros y orquestas de las Misiones son los grandes protagonistas de este evento, lo que se convierte en una gran motivación para que los grupos musicales perseveren en su formación artística y encuentren nuevos escenarios para presentarse”, asegura Ana Luisa Arce, presidenta de APAC.

Por su parte, Rubens Barbery Knaudt, presidente del CEPAD, explica que el festival es una apuesta a la gestión cultural como impulsora del desarrollo y un modelo de formación a través de las escuelas de música. “En las Misiones Jesuíticas de Chiquitos tenemos pueblos que son Patrimonio de la Humanidad y la dinamización turística de esos espacios de cultura viva permiten una alternativa económica para la sostenibilidad de territorios que tienen un valor universal”, añade Rubens Barbery.

Etiquetado como

Camila Soruco promociona “Mejor soltera”

Por Plaza Catorce

La cantante cruceña Camila Soruco se encuentra promocionando su nuevo sencillo “Mejor Soltera”, canción que ha sido escrita y compuesta por Róger Hurtado y Jorge Jiménez, y que ya tiene más de 4.000 visitas en YouTube. Esta canción será parte de su próximo disco y, como dicen los productores, “viene recargada de un cambio de imagen en todos los aspectos” ya que la composición tiene un ritmo urbano tropical, corriente que “hoy por hoy se está convirtiendo en un fenómeno mundial” en el que han caído incluso artistas como la romántica Laura Pausini. 

Grabada y masterizada en los estudios de Hurland Music, el mismo estudio donde han grabado recientemente Bonny Lovy y MaJeLo, entre otras bandas y solistas bolivianos, la canción “Mejor soltera” hace referencia a la fuerza femenina, “la cual no hay que subestimarla y que cuando el amor en una relación no es correspondido, es mejor valorarse y seguir sola su camino puesto que así vendrán tiempos mejores”.

“Mejor soltera” junto a la canción “Fiesta en Carnaval”, un brincado/urbano (en la terminología cruceña) compuesto por Tito Monasterios y que ganó este año el Premio a la Mejor Canción Carnavalera en Santa Cruz, serán parte del nuevo disco que la artista prepara con Hurland Music.

Entre hoy y el próximo 6 de agosto, Camila participa con esta su nueva canción –y otros de sus temas—en el Festival Bolivia, que reúne a artistas de varios departamentos del país, tal el caso del Trío Oriental, Yalo Cuéllar, Eleonora Cardona, Los K’achas y Huayna Willa, entre otros, y que se realiza en la laguna Capiguara de Santa Cruz.

El año pasado, Camila representó a Bolivia en el Festival Internacional de la Canción de Punta del Este (Uruguay), donde participó con la balada “La esperanza del mundo”, del compositor cochabambino Wen De Beltrán. Esta artista comenzó a mostrar sus dotes para el canto a sus cinco años y de ahí se presentó en diferentes escenarios, la mayoría familiares, del colegio o del barrio, hasta que a sus 17 años ganó el concurso “María Reina de La Paz”. Un año después se presentó esta vez a otro concurso propiciado por la red televisiva PAT, denominado “Canta para ser una estrella”, donde también consiguió ganar. Ese mismo año logró otra vez el primer premio en el festival cruceño “Camba Florencio” y a partir de entonces se dedicó a la música de manera profesional. Con el sello Carolina Records ha grabado los discos “Por qué será”, “Es mi revancha” y “Mi Santa Cruz”.

En los pocos años que lleva grabando, Carolina Soruco ha pasado por melodías como la cumbia, el taquirari, el folclore y el género tropical. Además de su trabajo como solista, normalmente colabora y comparte escenario y discos con otros artistas. Por ejemplo, en 2016 ha grabado el tema “Con los ojos cerrados” junto a la banda cochabambina Míster T.

Etiquetado como

Claudia Eid: El teatro es necesidad, encuentro, expresión y libertad

Por Claudia Gonzales Yaksic

“Yo creo que no se puede convencer a nadie para que haga teatro, el teatro es algo que te llama, y cuando respondes a ese llamado... No hay vuelta atrás (risas). Por lo menos así fue para mí. Querer hacer teatro o cualquier otro arte, responde a la necesidad de encontrarse con uno, a la necesidad de expresar las inconformidades y a la necesidad de tener algo de libertad”, dice la actriz, directora de teatro y dramaturga Claudia Eid Asbun, cuando responde a la pregunta ¿Cómo convencerías a alguien interesado en el teatro para estudiar teatro?

En una entrevista virtual con Plaza Catorce, a propósito del taller de actuación “El espacio de la impro”, que impartirá del 30 de julio al 3 de agosto en Cochabamba, Claudia Eid asegura que enseñar teatro la refresca y, lo más importante, aprende mucho. “Pero además –dice—me gusta mucho cuando veo a alguien sorprenderse a sí mismo, jugar tan bien que la ficción deja de ser ficción para comenzar a suceder”.

Con poco más de dos décadas de trabajo profesional, primero como actriz, después como directora y luego como dramaturga, el gusto de Claudia por el teatro comenzó cuando estaba aún en la escuela. “Cuando tenía 12 o 13 años, en mi colegio, el Instituto Americano, había un festival de teatro, había que participar para aprobar Lenguaje, yo me lo tomaba muy en serio, ahí ya comencé a actuar y después a dirigir, renegaba tanto como ahora. Recuerdo además que me gustaba ir a Tra-la-la, mi mamá nos llevaba, y también era emocionante ver a Peter Travesí recoger a sus hijos de mi colegio, lo veía casi todos los días a la salida y le gritaba: ¡Charanguito!”, recuerda.

Años después, en 1996 específicamente, comenzó su carrera teatral bajo la dirección de Hugo Francisquini y después trabajó varios años junto a Diego Aramburo. En su faceta de directora y dramaturga, el año 2005 creó el grupo independiente El Masticadero y a partir de entonces ha escrito varias obras muy buenas, como “Desaparecidos” y “Princesas”.

Sus textos han sido publicados en Bolivia (Quipus: nudos para una Dramaturgia Boliviana/ Antología del Teatro boliviano), en España (Hojas Volantes), en Argentina (Antología del drama latinoamericano), Cuba (Antología de Dramaturgia Boliviana) y en Río de Janeiro (Brasil) dentro del proyecto Periférico, el mismo que financió la puesta en escena de “Desaparecidos”, en dicho país. Sus obras junto a El Masticadero han estado en festivales nacionales e internacionales: en La Paz, Santa Cruz, Cochabamba y Sucre; y en ciudades de Argentina, Chile y Brasil.

Del 30 de julio al 3 de agosto próximos, Claudia Eid impartirá el taller de actuación “El espacio de la impro”, que está dirigido a hombres y mujeres mayores de 18 años, con o sin experiencia en actuación. En este taller hará una aproximación al conocimiento de “las herramientas del actor\actriz, la comprensión de la situación, las formas para abordar el texto dramático y los juegos de improvisación dentro de la escena”. Las inscripciones están abiertas hasta el 25 de julio, “ya que los participantes deben llegar con un texto breve aprendido, que será designado por la tallerista”. Para más información contactarse a través del correo electrónico Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. o en el link https://www.facebook.com/ElMasticadero/.

Aquí la pequeña entrevista de Plaza Catorce con Claudia Eid: 

El mismo tiempo que llevas actuando (o similar), te has dedicado también a la enseñanza. ¿Qué dices de tus alumnos primeros, dónde están, qué están haciendo?

Sí, llevo bastante tiempo enseñando, pues hay artistas como Jorge Alaniz quien estuvo en el primer taller que di en la Casa de la Cultura y ahora tiene su propio grupo y escribe y dirige. Enseñé también durante muchos años en el Taller de Teatro de la UPB y trabajo con actrices muy talentosas que han tenido parte de su formación ahí, como Lía Michel y Daniela Gabela, que son parte de El Masticadero desde hace ya un buen tiempo. También he trabajado con actrices más jóvenes que estuvieron en dicho taller, como Anelise Garrett. Además di clases para el elenco del mARTadero cuando se estaba formando, y ahí conocí a Isabel Fraile, una actriz talentosa que también es parte de El Masticadero actualmente. 

 Ya tienes por lo menos dos décadas de tu vida dedicadas a la actuación y al teatro. ¿Qué es la actuación para ti y qué significa?

Sí, ya voy 22 años y comencé actuando en el teatro, después ya pasé a la dirección y dramaturgia. Pero la actuación se ha ido transformando para mí. Primero era un espacio mucho placer, quizás porque cuando uno es más joven tiene menos miedos, después se transformó en un espacio de pánico, ya no lo disfrutaba tanto y por eso prefería ya no actuar, pero ahora el placer ha vuelto, las ventajas de la edad avanzada (ríe). Ahora la actuación además de ser un espacio de placer es, igual que la dramaturgia o la dirección, un lugar desde donde puedo cuestionarme. 

 La pregunta de rigor: ¿Qué de positivo aporta para ti el teatro a la sociedad?

Esa pregunta me da muchas vueltas, porque siempre se les demanda "utilidad" a las artes. A veces pienso que realmente las artes no tienen ni deben tener utilidad. Sólo sé que se me hace imprescindible que exista la novela ‘Pedro Páramo’, que haya existido Bertolt Brecht con todas sus contradicciones, que Leonard Cohen haya cantado ‘Dance me to the end of love’, que Sergio Blanco haya escrito ‘Tebas Land’, que Tomaz Pandur haya puesto a una mujer a interpretar ‘Hamlet’, que existan una Romina Paula, una Lola Arias, etcétera, etcétera, etcétera.

 En estas dos décadas, ¿cómo has visto la evolución del teatro cochabambino?

Creo que el teatro en Cochabamba siempre está entre idas y vueltas. Sin duda nuestro punto flaco es la calidad y sin duda parte del lento desarrollo tiene que ver con que los teatreros cochabambinos se preocupan más por las rencillas que por el trabajo, es así que no logramos organizarnos como gremio para conseguir más espacios, más formación, un trato justo con nuestra profesión, la implementación de políticas culturales que amparen nuestra actividad, etcétera, etcétera, etcétera.

Etiquetado como

Convocan a la octava edición del Premio Internacional de Música Sacra Fernando Rielo

Con un concierto titulado “Seis siglos de música sacra”, celebrado en la Cripta de la Catedral de la Almudena de Madrid (España), la semana pasada la Fundación Fernando Rielo ha abierto la convocatoria de la VIIIª edición del Premio Internacional de Música Sacra Fernando Rielo. Para esta versión, los organizadores piden a los participantes la musicalización de “Las Bienaventuranzas (Mateo 5, 3-12)”, en castellano, o en latín, o en la lengua vernácula que escoja el creador.

Este certamen está abierto a compositores de cualquier país del mundo sin límite de edad. Las obras presentadas al premio, que deben tener una duración de entre 10 a 15 minutos, deberán estar escritas para coro mixto y orquesta de cámara (arcos, maderas, bronces). El plazo de admisión de obras cierra el próximo 30 de marzo de 2019. El fallo tendrá lugar en un concierto público que se celebrará en Madrid, en el mes de noviembre de 2019, en el que se interpretarán las obras finalistas y el ganador recibirá un premio de 5.000 euros, según detalla un correo electrónico enviado a Plaza Catorce por la citada fundación.

Este premio internacional de composición nació como iniciativa de Fernando Rielo, un filósofo, metafísico y escritor español (1923-2004), con el fin de promover la música sacra contemporánea, invitando de esa manera “a los compositores a expresar su honda vivencia espiritual o de la trascendencia que posee el ser humano”. En la versión del año 2017 participaron composiciones procedentes de Bélgica, Bolivia, Colombia, España, Estados Unidos, Italia y Reino Unido y la obra ganadora fue “Ave Ioseph”, del compositor madrileño Miguel Ángel Tallante.

Según destacan los organizadores, este premio está orientado a la música ya que –según insistía Rielo en vida—es el lenguaje de manifestación de la íntima relación del hombre con el Ser Supremo. “La música sacra –decía Fernando Rielo—es místico sentir del espíritu humano, que expresa su filial comunicación con Dios, invocada en la más cualificada armonía que puede producir la técnica comunicativa del lenguaje musical. El buen gusto, síntesis de la verdad, bondad y hermosura, lleva al artista a hacer confesión, por medio del talento o práctica musical, de su mística unión con Dios. El carácter sacro de la música solo es posible en virtud de la condición constitutivamente mística del ser humano. La calidad de la música sacra, no reducida exclusivamente a lo cultual o litúrgico, consiste en la mayor evocación carismática que, con cultivada técnica, ofrezcan a nuestra sensibilidad los más altos valores espirituales del hombre”.

Para más información sobre el premio y solicitud de las bases, pueden dirigirse al correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.; o descargarlas de la página web:  www.rielo.com.

Etiquetado como

Concierto benéfico en la Compañía de Jesús

Durante tres días, el 18, 19 y 20 de este mes de julio, el templo de la Compañía de Jesús será el escenario del “FestKonzert 2018”, un concierto benéfico preparado por José Coca Loza y cuyos fondos recaudados serán destinados al hogar Sagrado Corazón para niños discapacitados y para el comedor popular de la parroquia, que ofrece desayuno todos los días a personas de escasos recursos.

“El miércoles 18, a las 19:30, estará el Coro de Niños del Valle del Instituto Eduardo Laredo, quienes ejecutarán junto con la orquesta y los jóvenes solistas, Pamela Guidi, Laura Ríos, Carlos Eduardo Gutiérrez y Alfredo Aramayo, el Miserere en re menor de J. Hasse. El jueves 19 y viernes 20, también a las 19:30, se presentará el coro de adultos, junto a otros solistas y la orquesta barroca, con un programa que incluye obras de Caldara, Häendel, Lotti y Vivaldi”, dice un comunicado de prensa enviado a Plaza Catorce.

Coca Loza, organizador y director general de este concierto, es un destacado solista lírico nacido en Cochabamba y que radica en Basilea (Suiza), quien ha confiado la codirección coral a Judith Carmona, reconocida maestra que trabaja con el coro del  Laredo; y el coro de adultos está dirigido por Carlos Eduardo Gutiérrez, quien durante varias semanas viene trabajando en la lectura y práctica musical.

“Los solistas son básicamente mis amigos de años, ellos son Katia Escalera, Camila Meneses, Gastón Paz, Beatriz Méndez, Susana Palomeque, que llega de Argentina; Judith Carmona, Elizaveta Vorojeikina y Ligia Gutiérrez, que han aceptado mi invitación para cantar”, señala Coca.

Además de la beneficencia, otro de los objetivos de José es unir fuerzas para que Cochabamba siga teniendo actividad coral, nuevos líderes y que nazcan proyectos y se consoliden, como lo hizo en su momento el BachFest, el festival organizado por la fallecida Elizabeth Schwimmer (que nació un día como hoy, 12 de julio) y de alguna manera este “FestKonzert” está dedicado a ella.

Ambos coros, el de niños y adultos, más los solistas, superan los 100 integrantes y la orquesta que ejecutará estos conciertos –que incluye instrumentos barrocos como un clavicémbalo, un laúd, un  cornetto y un clarinete—está conformada por músicos de Bolivia y Suiza (el clarinetista y el flautista provienen de este país). Cada concierto durará alrededor de dos horas con diez minutos y el precio de la entrada es de Bs 25.

Etiquetado como

Comienza la promoción del XII FITCRUZ 2019

Este miércoles 20 de junio, en la Casa Melchor Pinto de la capital cruceña, la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC) inició el lanzamiento de la imagen de lo que promete ser el XII Festival Internacional de Teatro “Santa Cruz de la Sierra” (FITCRUZ), uno de los más grandes y prestigiosos de Bolivia, que se realizará entre el 26 de abril y el 5 de mayo de 2019.

La presentación de la imagen convertida en afiche estuvo a cargo de la presidenta de APAC, la escritora y gestora cultural Sarah Mansilla, quien resaltó que el “Festival del 2019 apuesta a potenciar el turismo en la ciudad y las provincias (de Santa Cruz). Queremos que sea un festival mucho más grande, es por eso que necesitamos más apoyo y más tiempo de preparación. Así mismo—dijo—invitamos al público que vibre y nos acompañe durante los 10 meses de preparación del Festival”.

La otra gran novedad fue el anuncio del retorno del gran gestor cultural Marcelo Arauz como Director Artístico del evento, quien estuvo alejado un par de años y ahora vuelve para hacerse cargo de la programación del evento junto al actor y director de teatro Marcelo Alcón.

“Lo que quiero contarles inicialmente es que este trabajo que estamos realizando a la cabeza de Sarah Mansilla y Marcelo Arauz, es un conjunto de procesos creativos fundamentalmente, y el primero de ellos ha sido con nuestro amigo, artista, profundo creativo, Roberto Varcarcel”, comenzó diciendo Marcelo Alcón durante su intervención, insistiendo en que el concepto creativo del afiche con el que se promociona el festival tiene que ver con la identidad. “Es decir, un festival es una fiesta artística, es un momento de encuentro que necesita una identidad y hemos elegido que esa identidad esté apoyada en Santa Cruz de la Sierra. Estamos viendo al mundo desde este lugar y creemos que es muy importante poner en valor Santa Cruz de la Sierra, porque es desde ahí donde va surgir este discurso que tiene que ver con lo poético, con lo teatral, con lo artístico y finalmente con esta fiesta que nos reunirá a todos”.

El segundo proceso creativo, según Alcón, se basa en el espíritu artístico del festival, también reflejado en el arte de la imagen del afiche con el que prácticamente desde este 20 de junio se inaugura el diálogo con instituciones, artistas, empresas y por supuesto, y fundamental, el público. El tercer proceso creativo es el programa de lo que será el festival y en el que se quiere reflejar el trabajo que han ido desarrollando los organizadores, visitando otros países y ciudades para realizar co-producciones, invitar a artistas de Bolivia y del exterior para desarrollar nuevas creaciones que sean presentadas como inéditas durante el FITCRUZ 2019. El cuarto proceso creativo, explicó Marcelo Alcón, es el programa que será presentado el mes de noviembre próximo con un 90 por ciento de avance.

En ese sentido, el FITCRUZ 2019 apostará por mostrar al mundo la calidad de exportación del teatro boliviano. Es por ello que se desarrollarán varias coproducciones y una de ellas ya está en marcha. Se trata de la puesta en escena de la obra “El Portavoz”, escrita por Óscar Barbery en la década del 80 del siglo pasado. Este es un trabajo conjunto entre la Asociación Pro Arte y Cultura, la compañía de teatro Ditirambo y el dramaturgo argentino Leonardo Garviloff.

Finalmente, durante su intervención Marcelo Arauz, importante gestor e impulsor del arte en Santa Cruz y por ello considerado como Alma Tutelar de la Cultura Cruceña, habló del constante trabajo que realiza APAC en sus más de dos décadas de trabajo por llevar cultura a las zonas más alejadas y populosas del centro cruceño, pese a la escasa y a veces inexistente infraestructura. Arauz destacó la necesidad de que zonas como el Plan Tres Mil y la Villa Primero de Mayo, cada una con alrededor de 300 mil habitantes, comiencen a contar con espacios escénicos propios donde puedan ser presentadas obras de teatro, entre otras expresiones artísticas. En ese sentido dijo que ya tiene conocimiento de que en la Villa Primero de Mayo se construye un espacio cultural que ojalá pueda ser replicado en otras zonas y provincias cruceñas donde, él es testigo, la gente ama el teatro.

En el acto estuvieron presentes no solo representantes de la APAC y del FITCRUZ, sino también de la Gobernación y la Alcaldía cruceñas, la Escuela Nacional de Teatro, el Goethe-Zentrum, además de escritores y artistas de la danza.

SOBRE EL FITCRUZ

El Festival Internacional de Teatro “Santa Cruz de la Sierra” se fundó el año 1996 y a partir de entonces se realiza todos los años impares, y tiene como principal objetivo el acercar el teatro a la gente, llevando el arte escénico a los barrios más alejados de la ciudad y las provincias del departamento de Santa Cruz, bajo el slogan “Multiplicando Miradas”.

La Asociación Pro Arte y Cultura trabaja en la creación y consolidación de movimientos artísticos contribuyendo al logro de estos objetivos: una mejor sociedad y mayor inclusión social.

Etiquetado como

Cuatro ciudades de Bolivia celebran la Fiesta de la Música

La Paz, Cochabamba, Santa Cruz y Sucre celebrarán este fin de semana la Fiesta de la Música, uno de los eventos culturales gratuitos más grandes del mundo creado por el Ministerio de Cultura de Francia el 21 de junio de 1982, para festejar el inicio del verano en el Hemisferio Norte y también la diversidad cultural. Tres años después de su creación, la Fête de la Musique comenzó a conquistar otros territorios (también en el Hemisferio Sur, donde inicia el invierno) y actualmente se celebra en varias ciudades de más de 120 países, incluida hace 21 años Bolivia.

En la ciudad de La Paz la cita es este viernes 23 de junio en el Teatro Nuna Espacio Arte, donde a partir de las 19:30 se presentarán la agrupación folklórica cochabambina Awayus Experimental, los paceños FM11 (hip-hop), los tarijeños de Orgasmo (funk), el cuarteto de jazz manouche Gustavo Orihuela Quartet (que tiene integrantes de La Paz y Sucre) y el blues estará a cargo de Gogo Blues, que después de algunos años ha retornado de Argentina a Bolivia. “Para esta versión –dice en su programa la Alianza Francesa de La Paz– se ha escogido a la más grande variedad de géneros musicales posibles, sin discriminación alguna, buscando tanto la variedad como la calidad de los grupos, aficionados como profesionales, para fomentar ese evento”.

COCHABAMBA Y SUCRE

En la ciudad de Cochabamba, la Fiesta de la Música celebrará su cumpleaños número 21 el sábado 23 desde las seis de la noche en el Parque Lincoln, donde se habilitarán tres escenarios: Altiplano, Valle y Amazonía; en los que se interpretarán varios géneros musicales, entre ellos break beat, metal, rock instrumental, metal andino, reggae, funk, blues, jazz y ska. Entre las bandas que han sido elegidas este año, hay varias conocidas y algunas nuevas, entre ellas Raroneat’s, Bramido, Joaquín Delemoine Blues Band, Wookie Dread, Mosa Nostra, Niña Macoña, Deguana, Soulcyber, Pepe Padilla Ensamble, Bullk, Sueños Modernos, Alma Eterna, Ryga, Zairi Torrez, SXC, As I Remain, Awayus Experimental (que el viernes estará en La Paz), Napoleón se fue a Marte y R3M41N5.

Además de los conciertos, la Alianza Francesa ha preparado en Cochabamba varias actividades dedicadas a los niños y que se desarrollarán entre las dos y las cuatro de la tarde del sábado; actividades entre las que destacan un grupo Coral de Niños, el espectáculo de CuentoClown "De vuelta a la tierra", un jam musical con instrumentos acústicos y reciclados.

“Reconectando con la Tierra” es la temática que este año ha elegido la Alianza Francesa cochabambina.  “Volviendo a los orígenes para acercarnos y proteger a la Naturaleza, gran dadora de abundancia, fertilidad y vida”, dice su lema.

En Cochabamba, la XXI Fiesta de la Música está auspiciada por el Ministerio de Cultura y Comunicación de Francia, Total, la Universidad Privada Boliviana, Sunstage, la Revista INBOX, el Centro Simón I. Patiño, el Centro Boliviano Americano, el Instituto Cultural Boliviano Alemán, el Proyecto mARTadero, la Fundación Gaia Pacha y Lifetime Projects; y cuenta con el apoyo de la Secretaría de Cultura de la Alcaldía de Cochabamba.

En la ciudad de Sucre, la Fiesta de la Música celebrará su décimo sexta edición también el sábado 23 en un único escenario: la calle Nicolás Ortiz, donde desde las seis de la noche se presentarán los grupos de música folklórica Candor y SobreviVencia; los rockeros Lobos De Barrio y el solista Ronald Villegas. También estarán Dulce de Leche (pop), Kaypi Rap Bolivia, Tripulante Band Sucre (jazz), La Pálida Reggae, In.Side (hardcore, fusión), CaLipso Ska e Inti (música electrónica). En Sucre, este evento es organizado por la Alianza Francesa y la Casa de la Cultura, y entre sus objetivos están el promocionar “la música de dos maneras: la primera, que los músicos aficionados salgan voluntariamente a tocar a la calle y la segunda, la organización de conciertos gratuitos en los que el público tenga la oportunidad de presenciar a sus artistas preferidos sin importar el estilo ni origen”.

DOS DÍAS EN SANTA CRUZ

La Alianza Francesa de Santa Cruz dedicará el sábado 23 y el domingo 24 para celebrar su segunda versión de la Fiesta de la Música, donde la mayor atracción es la legendaria banda de rock Track. El sábado la cita será en la Plaza del Estudiante, a partir de las 18:00, donde se instalará un escenario con una pantalla LED de 3 x 5 metros y actuarán las bandas: Torkuatos (indie rock), Surdo (funk), Across The Ocean (metal), Kerúh (urban pop), Noni & The Blasters (reggaeton), IZHA (electro urbano), Angeloso (hip hop-trap), Cheto (R&B/Rap) y Track.

Luego, el domingo 24 de junio desde las 12:00 se realizarán otra serie de conciertos pero esta vez en la Orilla de Porongo, un lugar de descanso en la localidad de Porongo que cuenta con restaurante, piscina, beach volley, petanque y buena onda; y donde se presentarán: Before Remains (metal), Roots Simbiosis (reggaee), Smoke Elephants (rock), Kristoff Miró (rock) y Opposite, ésta última una banda que llega de Francia. En Santa Cruz, la Fiesta de la Música cuenta con el auspicio de la Secretaría Municipal de Cultura, Patrimonio y Turismo; Renault Bolivia, Total E&P Bolivie, Sucursal Bolivia y Tigo.

“Este es el mejor evento del año. Agradecemos a las 39 bandas de Santa Cruz que se postularon para participar, trece bandas fueron seleccionadas en total, el criterio se llevó a cabo según los valores de la Fiesta de la Música: variedad, diversidad de música ¡buena música! Nos encanta el material, realmente hay mucho talento en estos jóvenes. Lamentablemente, muchas de las bandas que se presentaron tocaban rock, y eran bastantes buenas, pero no podemos elegir sólo rock así que, en cuanto a este género musical, fue una dura competencia”, dice el director de la Alianza Francesa de Santa Cruz, Willy Meheust, según señala un comunicado de prensa difundido por la institución.

Etiquetado como
Suscribirse a este canal RSS
Powered by OrdaSoft!
Banner 468 x 60 px