Programa cultural de Samaya para este sábado 8 de diciembre

Por Plaza Catorce

La primera versión del festival “Samay un respiro cultural”, programado para este 8 de diciembre, contempla decenas de actividades gastronómicas, culturales y de estilo de vida para todas las edades que comenzarán a partir de las diez de la mañana y concluyen a media noche. Esta jornada, que ha sido organizada por la productora y gestora cultural Sofía Orihuela, como un agradecimiento a los 15 años que lleva trabajando en el ámbito cultural, nueve de ellos en Cochabamba, tendrá lugar en 15 espacios culturales alternativos que están repartidos por toda la ciudad de Cochabamba. La mayoría de estas actividades tienen el ingreso libre, pero en algunas se pide un aporte voluntario ya que la intensión es también es concienciar al público para que entienda que el arte y la cultura implican trabajo y esfuerzo.

“Estamos trabajando con un sistema de aporte voluntario, porque creemos que es importante que la gente sepa que sí existe un trabajo previo de los artistas, horas de ensayo… Es un trabajo el ser artista, así que se van  pasar unos sobres Samay donde la gente puede aportar lo que pueda, lo que quiera”, dice Sofía Orihuela.

COCINA, BELLEZA, TALLERES, STIKERS

La Tienda Nómada, ubicada en la avenida Ramón Rivero y calle T. Beltrán (una cuadra y media al este de la Oquendo), abrirá sus puertas a las 10:00 de la mañana con varias actividades de cocina, belleza y moda. Esta tienda fue creada con la filosofía de cuidado del medio ambiente, sustentabilidad y recuperación del valor humano; y está dedicada a la venta de artesanías, regalos y productos alimenticios naturales. Bajo esa línea comenzará con un espacio de degustación de sus productos y un taller de cocina navideña vegana a cargo de Nina. A las 11:00 habrá otro taller de rutina de limpieza facial y cuidado de la piel con productos de la línea Cacao y paralelamente “El oficio de la vida”, que son talleres para todo público, donde también habrá una lectura de cuentos para niños con Atoj Antoño. A las 11:30 se dictará un taller de panadería integral sin horno y sin esfuerzo, dictado por Maleza. Ya por la tarde, a las 14:00 inicia un taller de corte, confección y reciclado a cargo de Femisha. Para las 15:00 está prevista una demostración de encuadernación kopta a cargo de Jardín Atómico.  A las 16:00 comienza la lectura de cuentos para adolescentes, jóvenes y adultos: "Mitapora crónicas pasajeras". A las cinco será el taller de elaboración de aceites macerados y tinturas madre de plantas medicinales, a cargo de Chiri Wayrita. A las 18:00  comienza la noche de pizzas artesanales a cargo de la Kasa Muyu y después, hasta las 22:00, será la hora de la música con las bandas Motín, Awqa Sonqos, Blue Glass, De la Puta Electronics y Kachimba.

La Libre, que este 2018 festeja sus cinco años de vida, abrirá sus puertas a las 11:00 con una Feria de la Crisis, donde se exponen y venden stickers y ramas afines y por la noche presentará su concierto aniversario con Milagro Verde-Electro Huayno Sideral y de La Paz llega la banda de ska The Prestes.

BEBES Y NIÑOS

Samay también ha pensado en los niños y los bebés de seis meses para adelante y tiene contempladas actividades en varios espacios. En La Pequeteca, espacio de educación que ya cumplió tres años de vida y que está ubicado en la calle Néstor Galindo (paralela a Libertad Bolívar hacia el oeste) entre Juan de La Rosa y  Avelino Nogales, las actividades comenzarán a las 15:30 con la Bebeteca, una sesión de cuento, canciones y actividades de estimulación para niños y niñas de seis meses a tres años de edad, que obviamente deberán estar acompañadas por sus padres. A las 16:30 se presentará un taller con narración de cuento y actividades lúdicas para menores de entre cuatro y 8 años. Cabe destacar que para estas actividades hay un cupo limitado de participantes.

Ubicado en la calle Colquiri Nº 355 (media cuadra al norte de la avenida Circunvalación), el Circo el Tapeque también es parte de Samay y abrirá sus puertas a las 15:30 con Teatro de Títeres el Aguijón y la obra “La Granja de Valentín”. Además de ofrecer a la venta comida saludable a los asistentes, éstos podrán disfrutar de la Expo Circo y de una Varieté con: acrobacias aéreas y circo clásico.  El Tapeque cierra a media noche con concierto de música.

PINTURA, ORIGAMI, LIBROS y DISCOS

En el Cowork Café del parque Fidel Anze,  podrás apreciar durante todo el día una exposición pictórica de Alberto Salazar y a las 19:30 el maestro Eduardo Rodríguez Campadello  y Sergio Llanque ofrecerán un concierto de violín clásico y piano.

Siguiendo con la línea del arte plástico, la Galería de Arte Urquidi, que queda en la calle Colombia entre Baptista y España, el sábado 8 de diciembre abrirá sus puertas a las 14:00 con demostraciones en vivo de pintura a cargo de  los maestros que trabajan en la escuela de pintura y los asistentes también podrán apreciar una exposición donde se presentarán los cuadros de los hechos por los estudiantes.

El Café Kipus, ubicado en la calle Hamiraya Nº 127, entre Colombia y Heroínas, se suma a esta fiesta con el espacio Ilustrando con el Escritor, donde, de 16:00 a 18:00,  presentará la novela “Huari”, del autor cochabambino Ronnie Pierola, finalista de la tercera versión del Premio Internacional de Novela Kipus. Como parte de la dinámica de esta propuesta, mientras Ronnie habla sobre su obra, estarán varios ilustradores invitados trabajando sobre lo que se vaya conversando y al final las mejores ilustraciones recibirán un premio.

Por su lado, Árbol de Papel, que queda en el la planta baja del edificio Catalania (acera norte del Parque Lincoln y avenida Ceibos), estará abierto desde las 16:30 hasta las 20:00, con un taller de origami, otro taller dirigido a padres y la presentación de un Coro Infantil.

DISCOS, FOTOGRAFÍA, MODA Y CONCIERTOS

Pablo’s Pub, que queda en la avenida Ramón Rivero entre La Paz y Oruro, abre a las 18:30 y, gracias a una alianza con la tienda móvil Ahí Va y la Red de Músicos de Cochabamba presenta una Feria del Disco, Accesorios  y Souvenirs de  bandas de música bolivianas y horas después comenzará una serie de conciertos con Álvaro Mérida, Meidin Yapan y  Head Hunters.

La Muela del Diablo, ubicada en la avenida Potosí y Portales, abre a las 19:30 con una exposición de fotografía de Ariana Zabalaga y el concierto del  grupo Átomo.

Co Café Arte abre también a las 19:30 con un desfile de Tayka Moda, la degustación de cervezas artesanales y un concierto acústico de la banda Onda Bossa, todo esto acompañado de pintura en vivo de Marina Ferns.

MOTOS, TATUAJES, MODA, TEATRO Y MÚSICA

Giros Cantabria, que queda en la calle España Nº 286 casi Mayor Rocha, participa de Samay desde las 20:00 con una Caravana y Exposición de Motos de la que participa la Asociación de Motoqueros de Cochabamba y luego la banda Los Putos ofrecerá un concierto.

Oasis de Dalí, que queda en la España entre Mayor Rocha y México, abrirá a las 20:00 con un Desfile de Chicha Moda y una sesión de body painting con Alcon Libre, también presentará una Exposición de Diseño de Empaquetaduras  y Diseño Gráfico ESCA-Espacio Cultural Dali  y cierra con un concierto de música.

Dali Café, que queda en la avenida América y Pando, también abre a las 20:00 con una sesión de Bodypaint y Tatuajes en vivo, por Eduardo Oliva y Tattoomanía, luego habrá un desfile de los lienzos de tatuaje y bodypaint, una exhibición de la caravana de motos Las Zorras del Desierto y un concierto de cierre.

La Troje, ubicada en el kilómetro tres y medio de la avenida Capitán Ustariz, abre a las 20:30 con el estreno de la obra de teatro “Agrio” de la compañía artística RroRro Circo varieTTe. En esta obra, que apela a los “recursos teatrales contemporáneos, haciendo énfasis en la puesta en escena, a través de técnicas poéticas, simbólicas y de contenido textual” se “interpela al espectador mediante la reflexión de temas de violencia, negligencia médica y concientización compartida”.

Crítica sobre “Las Mujeres de Shakespeare”

Por Galia Yaksic (*)

La pequeña es muy aficionada a leer Shakespeare. Tiene la colección de sus obras de teatro y las ha leído casi todas, algunas varias veces. Es una conocedora de esa literatura porque la disfruta profundamente y, además de los temas shakesperianos, las tramas y la belleza del lenguaje, a ella le interesa mucho la voz que se les asigna a los personajes mujeres, y de todas ellas, Deva prefiere la de lady Macbeth. Así que, muy entusiasmada, la pequeña fue a comprar entradas con anticipación y con toda expectativa estuvo “en punto” para entrar a ver la obra Las Mujeres de Shakespeare del grupo de teatro A Rajatabla, una obra que se presentó en el teatro Achá el 21 de agosto.

Llegamos a una antesala relativamente llena. Pronto nos enteramos que la sentada era “sálvese quien pueda” o –un poco más de esta época—“arréglatelas”, porque las entradas no tenían taquilla. Tristes las dos, terminamos en una de las loreras viendo desde el tercer piso toda una fila de nueve que brillaba vacía en platea (casi hasta el tercer acto). Demás decir que el gobierno sobre uno mismo no va muy bien en la Bolivie. El público era joven (¡qué bueno!) y mientras los diálogos se desarrollaban, se escuchaba a la gente hablando y discutiendo sobre números de asiento y taquillas y butacas. Muchos llegaron tarde o muy tarde y como seis personas olvidaron –una y otra vez—apagar su celular. Papitos…

Julieta, Ofelia y Desdémona aparecieron en una escenografía pobre. Una cama a la derecha, con colchas de seda y satín. Una especie de pedestal al centro con Ofelia balanceando los pies sentada en la altura. Y un mesón type a la izquierda, sobre el cual Julieta estaba sentada o recostada y tras el cual había toda una licorería de la que el personaje adolescente sacaba de rato en rato botellitas con licor.

Después de leer la sinopsis de la obra:

"La pieza teatral reúne a cuatro personajes íconos de la literatura clásica de William Shakespeare: Julieta de “Romeo y Julieta”, Ofelia de “Hamlet”, Desdémona de “Otelo” y Lady Macbeth de “Macbeth”. Dichas mujeres nos comparten sus vidas desde su perspectiva con humor, visualizando a la mujer a través del tiempo, el amor y la sociedad.

Obra contemporizada al 2018 sin perder la esencia y cualidades de los personajes clásicos y resaltando los prejuicios que aún permanecen a través de las generaciones."

Sé que la intención era muy buena. Y, en mi filosofía: eso es lo 
que cuenta.

Sin embargo, debo confesar que –mientras veía a las actrices caminar en camisón y hablar como los personajes de Gosip Girls—casi en tono de súplica repetía en mi corazón: Merlo, Merlo…Where are you? Teatro de los Andes…I miss you. ¿Dónde están mis “Bonitas”? En algún momento de nuestra honorable historia teatral permitimos que la cultura del “one click” coopte este tan sagrado arte y lo vuelva esto, un facilismo más del siglo XXI.

En honor a la verdad, los personajes mujeres en Las mujeres de Shakespeare, no “nos comparten sus vidas desde su perspectiva con humor, visualizando a la mujer a través del tiempo, el amor y la sociedad” si no que parafrasean los resultados de una revisión rápida en Google y Wikipedia sobre las tragedias shakesperianas de las que fueron parte. Casi como cuando leo una tarea de universidad hecha a la rápida, la superficialidad de los diálogos, de la trama, de la conexión entre los personajes me resultó abrumadora. Después de algunos minutos, ya sabía yo que, si Julieta lloraba, nadie, ni las personas que estaban a su lado, podía saber qué estaba diciendo. El chillido ese era tan NO profesional, tan burdo que me puso una y otra vez en la disyuntiva de escoger entre tratar de adivinar y desconectar: obviamente desconecté, una y otra vez.

Mi amiga Desdémona tampoco hacía esfuerzo alguno por darle algo de vida a la larga y agotadora lista de observaciones psicoanalíticas que no se cansó de realizar durante las casi dos horas en el escenario. Y, por algo de vida, quiero decir: “modular” “aumentar el volumen” “vocalizar”, como si estuviera en la necesidad de comunicar algo, a un amplio número de personas, en un teatro y sin micrófono. By the way, quien ha leído, aunque fuera una sola vez alguna de las cuatro obras, después de escuchar las peroratas de Desdémona, los chismes de Julieta o las anécdotas de Ofelia, no añade absolutamente nada nuevo a su disfrute y/o conocimiento sobre el autor, los personajes, ni la tragedia en cuestión.

Una actriz genuina es la que interpretó a Ofelia, pero a intervalos, esa importantísima cualidad artística se vio completamente nublada por un guion en el que el espíritu de la muy trendy sororidad está completamente mal entendido y hasta abusado (i.e. en algún momento, llaman a las mujeres mayores/suegras: chancho, víbora, rata, etcétera). Todos, absolutamente todos los estereotipos negativos sobre la mujer joven, fueron confirmados casi sistemáticamente y sin piedad en el guion. Si, de verdad tenemos que unir el llamativo título de la obra con lo escuchado, es fácil concluir que las mujeres de Shakespeare se reducen a un grupo de amigas que se reúne para farrear, usar el lenguaje criollo postmo para analizar a los hombres de Shakespeare o para hablar (mal) de sus ñatos y reconocer la una en la otra el erotismo mojigato tan representativo de la Llajta.

No sé qué se hará en la obra “En el Taller de Shakespeare” de Horacio Oyhanarte (en la cual esta producción de Rajatabla se basó), pero fueron demasiadas disonancias chocantes, rampantes e impunes en Las Mujeres de Shakespeare como para tomar en serio esta obra.

Estirando la buena voluntad característica de la compasión que estamos tratando de cultivar, podría decir que los aspectos positivos fueron: son jóvenes haciendo teatro, se animan a presentarse así, de alguna manera consiguieron el teatro Achá, las artes gráficas impecables y el precio (cobraban más y hubiera sido indignante).

Como con los alumnitos queridos, mi nota al pie es: no es hacer nomas, hay que hacer bien y para eso hay que darle tiempo. Después del “click” sobre el mouse, es necesario CONTEMPLAR para que, en vez de un pobre primerísimo primer borrador de informe, nazca una obra de teatro trabajada, esto es: provocadora, creativa, substancial, (en este caso) jocosa, con voz propia, capaz de enriquecer a todos por igual (elenco, logística, sonidistas, músicos, iluminadores, público, parientes, amigos, ratones del teatro, etcétera). El ímpetu de los escritores por escribir, de los actores por actuar, de los productores por producir, de los directores por dirigir debiera traducirse en ganas de trabajar perfeccionando su espacio responsablemente. Eso es el arte: un noble servicio que eleva a la humanidad entreteniéndola.

Como el tiempo es precioso (por joya no desperdiciable), nos fuimos antes que la señora Macbeth entrara en escena, lo que molestó mucho a la pequeña. Espero compensar esto en un futuro cercano, ojalá con la misma obra, ya en versión final (o en limpio), a manera de reivindicarnos todas con todas.

(*) La autora es escritora, tiene una licenciatura en Comunicación Social por la Universidad Católica Boliviana y una maestría en European Languages and Literatures por la Universidad de Cambridge.

Festival de Música Misional y Teatro Chiquitos

 

Este 25 y 26 de agosto se desarrollará, en nueve municipios cruceños, el Festival de Temporada de Música Misional y Teatro Chiquitos 2018, del que participarán 390 artistas. En total serán 16 grupos (dos de teatro y 14 de música) que ofrecerán 26 espectáculos gratuitos, según han informado los organizadores a través de un comunicado de prensa.

Los escenarios serán las poblaciones de San Xavier, Concepción, San Ignacio, Santa Ana, San Miguel, San Rafael, San José, Roboré y Santiago de Chiquitos, donde ser presentarán el Coro y Orquesta Misional de Santiago de Chiquitos; el Coro y Orquesta Misional San Xavier; el Coro y Orquesta Municipal de Concepción; el Coro y Orquesta Municipal de Cotoca; el Coro y Orquesta Municipal de San Ignacio de Velasco, el Ensamble Padre Martin Schmid, la Escuela Inclusiva de Música FASSIV, la Orquesta de Cuerdas Infanto Juvenil Paz y Bien, la Orquesta de Cuerdas San Rafael de Velasco, la Orquesta de Cuerdas Santa Ana, la Orquesta Misional de Los Santos Desposorios, la Orquesta Municipal de San Carlos, la Orquesta Municipal Misional San Juan Bautista de Porongo y, finalmente, la Orquesta Infantil de San José de Chiquitos. Por su parte, el toque de las artes escénicas lo pondrán los elencos de  Teatro 4X4, Cattleya ExpressArte y la Opera San Ignacio de Loyola.

De forma paralela, los municipios han preparado una nutrida agenda  con más de 60 actividades que contemplarán desde visitas guiadas por los museos, ferias gastronómicas y artesanales hasta veladas culturales.

ELLOS TIENEN LA PALABRA

“Para mí, participar del Festival de Temporada  es una forma de compartir, de demostrar nuestra cultura y talento a través de la música de cada región… Es ganar experiencias y conocer lugares”, dice Teófilo Uraezaña, director de la Orquesta Municipal de San Carlos. Por su lado, Simón Aguape, director de la Orquesta Misional de los Santos Desposorios, asegura que este festival: “Es un evento musical donde los músicos, coros y orquestas, demuestran el trabajo y la calidad interpretativa en un alto nivel”.

“Es la oportunidad de mostrar el trabajo que venimos realizando en Cotoca, de brindarle a los niños la posibilidad de conocer nuevos lugares, demostrarles que todo lo que venimos trabajando es recompensado con estos viajes. Por último, difundimos la música misional y mostramos a los visitantes lo rico de la cultura e historia de las Misiones. También es importante porque representamos bien a nuestro municipio y a nuestro alcalde que confía mucho en nuestro trabajo”, señala Edgar Joaquín Salazar Gonzales, director del Coro y Orquesta Municipal de Cotoca.

El Festival de Temporada de Música Misional y Teatro Chiquitos es organizado por la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC), el Centro para la Participación y el Desarrollo Humano Sostenible (CEPAD) y los Gobiernos Municipales de San Xavier, Concepción, San Ignacio, San Miguel, San Rafael, Roboré y San José. Este festival se realiza desde el año 2006 “con el objetivo de dinamizar el turismo hacia la región, impulsando la música barroca misional, que caracteriza a las Misiones Jesuíticas de Chiquitos, e incorporando al teatro como parte de la oferta cultural”.

“En el Festival de Temporada son los coros y orquestas de las Misiones son los grandes protagonistas de este evento, lo que se convierte en una gran motivación para que los grupos musicales perseveren en su formación artística y encuentren nuevos escenarios para presentarse”, asegura Ana Luisa Arce, presidenta de APAC.

Por su parte, Rubens Barbery Knaudt, presidente del CEPAD, explica que el festival es una apuesta a la gestión cultural como impulsora del desarrollo y un modelo de formación a través de las escuelas de música. “En las Misiones Jesuíticas de Chiquitos tenemos pueblos que son Patrimonio de la Humanidad y la dinamización turística de esos espacios de cultura viva permiten una alternativa económica para la sostenibilidad de territorios que tienen un valor universal”, añade Rubens Barbery.

Claudia Eid: El teatro es necesidad, encuentro, expresión y libertad

Por Claudia Gonzales Yaksic

“Yo creo que no se puede convencer a nadie para que haga teatro, el teatro es algo que te llama, y cuando respondes a ese llamado... No hay vuelta atrás (risas). Por lo menos así fue para mí. Querer hacer teatro o cualquier otro arte, responde a la necesidad de encontrarse con uno, a la necesidad de expresar las inconformidades y a la necesidad de tener algo de libertad”, dice la actriz, directora de teatro y dramaturga Claudia Eid Asbun, cuando responde a la pregunta ¿Cómo convencerías a alguien interesado en el teatro para estudiar teatro?

En una entrevista virtual con Plaza Catorce, a propósito del taller de actuación “El espacio de la impro”, que impartirá del 30 de julio al 3 de agosto en Cochabamba, Claudia Eid asegura que enseñar teatro la refresca y, lo más importante, aprende mucho. “Pero además –dice—me gusta mucho cuando veo a alguien sorprenderse a sí mismo, jugar tan bien que la ficción deja de ser ficción para comenzar a suceder”.

Con poco más de dos décadas de trabajo profesional, primero como actriz, después como directora y luego como dramaturga, el gusto de Claudia por el teatro comenzó cuando estaba aún en la escuela. “Cuando tenía 12 o 13 años, en mi colegio, el Instituto Americano, había un festival de teatro, había que participar para aprobar Lenguaje, yo me lo tomaba muy en serio, ahí ya comencé a actuar y después a dirigir, renegaba tanto como ahora. Recuerdo además que me gustaba ir a Tra-la-la, mi mamá nos llevaba, y también era emocionante ver a Peter Travesí recoger a sus hijos de mi colegio, lo veía casi todos los días a la salida y le gritaba: ¡Charanguito!”, recuerda.

Años después, en 1996 específicamente, comenzó su carrera teatral bajo la dirección de Hugo Francisquini y después trabajó varios años junto a Diego Aramburo. En su faceta de directora y dramaturga, el año 2005 creó el grupo independiente El Masticadero y a partir de entonces ha escrito varias obras muy buenas, como “Desaparecidos” y “Princesas”.

Sus textos han sido publicados en Bolivia (Quipus: nudos para una Dramaturgia Boliviana/ Antología del Teatro boliviano), en España (Hojas Volantes), en Argentina (Antología del drama latinoamericano), Cuba (Antología de Dramaturgia Boliviana) y en Río de Janeiro (Brasil) dentro del proyecto Periférico, el mismo que financió la puesta en escena de “Desaparecidos”, en dicho país. Sus obras junto a El Masticadero han estado en festivales nacionales e internacionales: en La Paz, Santa Cruz, Cochabamba y Sucre; y en ciudades de Argentina, Chile y Brasil.

Del 30 de julio al 3 de agosto próximos, Claudia Eid impartirá el taller de actuación “El espacio de la impro”, que está dirigido a hombres y mujeres mayores de 18 años, con o sin experiencia en actuación. En este taller hará una aproximación al conocimiento de “las herramientas del actor\actriz, la comprensión de la situación, las formas para abordar el texto dramático y los juegos de improvisación dentro de la escena”. Las inscripciones están abiertas hasta el 25 de julio, “ya que los participantes deben llegar con un texto breve aprendido, que será designado por la tallerista”. Para más información contactarse a través del correo electrónico Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. o en el link https://www.facebook.com/ElMasticadero/.

Aquí la pequeña entrevista de Plaza Catorce con Claudia Eid: 

El mismo tiempo que llevas actuando (o similar), te has dedicado también a la enseñanza. ¿Qué dices de tus alumnos primeros, dónde están, qué están haciendo?

Sí, llevo bastante tiempo enseñando, pues hay artistas como Jorge Alaniz quien estuvo en el primer taller que di en la Casa de la Cultura y ahora tiene su propio grupo y escribe y dirige. Enseñé también durante muchos años en el Taller de Teatro de la UPB y trabajo con actrices muy talentosas que han tenido parte de su formación ahí, como Lía Michel y Daniela Gabela, que son parte de El Masticadero desde hace ya un buen tiempo. También he trabajado con actrices más jóvenes que estuvieron en dicho taller, como Anelise Garrett. Además di clases para el elenco del mARTadero cuando se estaba formando, y ahí conocí a Isabel Fraile, una actriz talentosa que también es parte de El Masticadero actualmente. 

 Ya tienes por lo menos dos décadas de tu vida dedicadas a la actuación y al teatro. ¿Qué es la actuación para ti y qué significa?

Sí, ya voy 22 años y comencé actuando en el teatro, después ya pasé a la dirección y dramaturgia. Pero la actuación se ha ido transformando para mí. Primero era un espacio mucho placer, quizás porque cuando uno es más joven tiene menos miedos, después se transformó en un espacio de pánico, ya no lo disfrutaba tanto y por eso prefería ya no actuar, pero ahora el placer ha vuelto, las ventajas de la edad avanzada (ríe). Ahora la actuación además de ser un espacio de placer es, igual que la dramaturgia o la dirección, un lugar desde donde puedo cuestionarme. 

 La pregunta de rigor: ¿Qué de positivo aporta para ti el teatro a la sociedad?

Esa pregunta me da muchas vueltas, porque siempre se les demanda "utilidad" a las artes. A veces pienso que realmente las artes no tienen ni deben tener utilidad. Sólo sé que se me hace imprescindible que exista la novela ‘Pedro Páramo’, que haya existido Bertolt Brecht con todas sus contradicciones, que Leonard Cohen haya cantado ‘Dance me to the end of love’, que Sergio Blanco haya escrito ‘Tebas Land’, que Tomaz Pandur haya puesto a una mujer a interpretar ‘Hamlet’, que existan una Romina Paula, una Lola Arias, etcétera, etcétera, etcétera.

 En estas dos décadas, ¿cómo has visto la evolución del teatro cochabambino?

Creo que el teatro en Cochabamba siempre está entre idas y vueltas. Sin duda nuestro punto flaco es la calidad y sin duda parte del lento desarrollo tiene que ver con que los teatreros cochabambinos se preocupan más por las rencillas que por el trabajo, es así que no logramos organizarnos como gremio para conseguir más espacios, más formación, un trato justo con nuestra profesión, la implementación de políticas culturales que amparen nuestra actividad, etcétera, etcétera, etcétera.

Comienza la promoción del XII FITCRUZ 2019

Este miércoles 20 de junio, en la Casa Melchor Pinto de la capital cruceña, la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC) inició el lanzamiento de la imagen de lo que promete ser el XII Festival Internacional de Teatro “Santa Cruz de la Sierra” (FITCRUZ), uno de los más grandes y prestigiosos de Bolivia, que se realizará entre el 26 de abril y el 5 de mayo de 2019.

La presentación de la imagen convertida en afiche estuvo a cargo de la presidenta de APAC, la escritora y gestora cultural Sarah Mansilla, quien resaltó que el “Festival del 2019 apuesta a potenciar el turismo en la ciudad y las provincias (de Santa Cruz). Queremos que sea un festival mucho más grande, es por eso que necesitamos más apoyo y más tiempo de preparación. Así mismo—dijo—invitamos al público que vibre y nos acompañe durante los 10 meses de preparación del Festival”.

La otra gran novedad fue el anuncio del retorno del gran gestor cultural Marcelo Arauz como Director Artístico del evento, quien estuvo alejado un par de años y ahora vuelve para hacerse cargo de la programación del evento junto al actor y director de teatro Marcelo Alcón.

“Lo que quiero contarles inicialmente es que este trabajo que estamos realizando a la cabeza de Sarah Mansilla y Marcelo Arauz, es un conjunto de procesos creativos fundamentalmente, y el primero de ellos ha sido con nuestro amigo, artista, profundo creativo, Roberto Varcarcel”, comenzó diciendo Marcelo Alcón durante su intervención, insistiendo en que el concepto creativo del afiche con el que se promociona el festival tiene que ver con la identidad. “Es decir, un festival es una fiesta artística, es un momento de encuentro que necesita una identidad y hemos elegido que esa identidad esté apoyada en Santa Cruz de la Sierra. Estamos viendo al mundo desde este lugar y creemos que es muy importante poner en valor Santa Cruz de la Sierra, porque es desde ahí donde va surgir este discurso que tiene que ver con lo poético, con lo teatral, con lo artístico y finalmente con esta fiesta que nos reunirá a todos”.

El segundo proceso creativo, según Alcón, se basa en el espíritu artístico del festival, también reflejado en el arte de la imagen del afiche con el que prácticamente desde este 20 de junio se inaugura el diálogo con instituciones, artistas, empresas y por supuesto, y fundamental, el público. El tercer proceso creativo es el programa de lo que será el festival y en el que se quiere reflejar el trabajo que han ido desarrollando los organizadores, visitando otros países y ciudades para realizar co-producciones, invitar a artistas de Bolivia y del exterior para desarrollar nuevas creaciones que sean presentadas como inéditas durante el FITCRUZ 2019. El cuarto proceso creativo, explicó Marcelo Alcón, es el programa que será presentado el mes de noviembre próximo con un 90 por ciento de avance.

En ese sentido, el FITCRUZ 2019 apostará por mostrar al mundo la calidad de exportación del teatro boliviano. Es por ello que se desarrollarán varias coproducciones y una de ellas ya está en marcha. Se trata de la puesta en escena de la obra “El Portavoz”, escrita por Óscar Barbery en la década del 80 del siglo pasado. Este es un trabajo conjunto entre la Asociación Pro Arte y Cultura, la compañía de teatro Ditirambo y el dramaturgo argentino Leonardo Garviloff.

Finalmente, durante su intervención Marcelo Arauz, importante gestor e impulsor del arte en Santa Cruz y por ello considerado como Alma Tutelar de la Cultura Cruceña, habló del constante trabajo que realiza APAC en sus más de dos décadas de trabajo por llevar cultura a las zonas más alejadas y populosas del centro cruceño, pese a la escasa y a veces inexistente infraestructura. Arauz destacó la necesidad de que zonas como el Plan Tres Mil y la Villa Primero de Mayo, cada una con alrededor de 300 mil habitantes, comiencen a contar con espacios escénicos propios donde puedan ser presentadas obras de teatro, entre otras expresiones artísticas. En ese sentido dijo que ya tiene conocimiento de que en la Villa Primero de Mayo se construye un espacio cultural que ojalá pueda ser replicado en otras zonas y provincias cruceñas donde, él es testigo, la gente ama el teatro.

En el acto estuvieron presentes no solo representantes de la APAC y del FITCRUZ, sino también de la Gobernación y la Alcaldía cruceñas, la Escuela Nacional de Teatro, el Goethe-Zentrum, además de escritores y artistas de la danza.

SOBRE EL FITCRUZ

El Festival Internacional de Teatro “Santa Cruz de la Sierra” se fundó el año 1996 y a partir de entonces se realiza todos los años impares, y tiene como principal objetivo el acercar el teatro a la gente, llevando el arte escénico a los barrios más alejados de la ciudad y las provincias del departamento de Santa Cruz, bajo el slogan “Multiplicando Miradas”.

La Asociación Pro Arte y Cultura trabaja en la creación y consolidación de movimientos artísticos contribuyendo al logro de estos objetivos: una mejor sociedad y mayor inclusión social.

"Drácula el Musical" llega a Cochabamba

“Drácula el Musical”, una obra de los argentinos Pepe Cibrián y Ángel Mahler y que será puesta en escena por el equipo de Macondo Art, llega a Cochabamba el próximo 1 de junio, donde será presentada a las 19:30 en el Coliseo Alemán Santa María.

Bajo la dirección de Leonel Fransezze y Fabricio Ferrufino, en el escenario estarán unas 30 personas, entre actores, cantantes y bailarines y detrás de bambalinas otras 20. “Somos unas 50 personas viajando por el país. Lindo reto. Más allá de los 30 artistas que se ven en escenario, tenemos otros artistas detrás cuyo aporte es definitivo para la calidad del espectáculo en luces, sonido, vestuario, escenografía. La factura de imagen de las obras está determinada por estos aspectos también”, explica en una entrevista virtual con Plaza Catorce, la actriz y productora Claudia Gaensel. 

En los roles principales de esta adaptación de la centenaria novela “Drácula” (1897), del escritor irlandés Bram Stoker, actúan en los roles principales Leonel Fransezze, que interpreta al conde Drácula; Michelle Csapek es Mina; Roberto Cainzo encarna a Jonathan Harker y Claudia Arce a Lucy; y completan el elenco José Luis Duarte como el legendario Van Helsing y Sofía Ayala como Nani.

“Drácula el Musical” se estrenó el año pasado en La Paz, donde se presentó en nueve funciones con volteo de taquilla y también llegó a Potosí donde, en una única función, logró reunir a 1.200 espectadores. “El musical argentino más exitoso de los últimos 20 años llegó a Bolivia, se estrenó en la ciudad de La Paz con elenco local en septiembre de 2017, con gran convocatoria de público”. Hasta el momento, según Macondo, este musical ha sido visto por 9.500 espectadores en Bolivia, “marcando un precedente histórico en nuestro teatro. Macondo Art logró que la producción en escena esté a la altura de las grandes capitales del mundo, con un estupendo despliegue de luces, vestuario, escenografía y gran calidad interpretativa del elenco”.

DIRECCIÓN Y PRODUCCIÓN

Leonel Fransezze, director general y actor principal en “Drácula el Musical”, es argentino radicado en Bolivia hace varios años, donde se desempeña como director, productor, presentador de televisión, actor y cantante. Estudió canto lírico con profesores del Teatro Colón y teatro en la escuela argentina “Brio”. El 2010 debutó profesionalmente en Calle Corrientes (Argentina) con el musical “Drácula”, oportunidad en la que interpretó a Jonathan Harker. Desde que ha llegado a Bolivia, ha trabajado en la producción de más de una decena de eventos artísticos: “El Hombre de la Mancha”, “Chicago”, “Jesucristo Super Star”, “Las Criadas”, entre otras. En su faceta de actor de cine, ha trabajado en películas como "Engaño a Primera Vista" y “Averno"; y en teatro, bajo la dirección de Fernando Arze, en la obra “REC”. El año pasado participó como jurado de los Premios Platino 2017 celebrados en Madrid (España) y también es productor de la miniserie “La Entrega”, que se estrenará este 2018.

En “Drácula el Musical”, Fabricio Ferrufino es el director de coreografía. Fabricio tiene formación en ballet clásico, jazz dance y danzas de salón, entre otras y fue parte del Ballet Oficial de Bolivia, bajo la dirección de Norma Quintana. Por su trayectoria profesional ha recibido varios reconocimientos y ha ganado premios, entre ellos dos premios Eduardo Abaroa (2013). Bailarín y coreógrafo de profesión, junto a su compañía de Jazz Dance CODA, Fabricio ganó el Concurso Nacional de Danza “Melba Zárate”. Actualmente forma parte del directorio de Asoadanz, es bailarín independiente y director general de la Escuela de Jazz Dance y Compañía CODA.

La actriz Claudia Gaensel es la productora de este este espectáculo y también responsable y creadora del diseño de vestuario, uno de los grandes atractivos de “Drácula el Musical”, vestuario que ha sido confeccionado por el grupo de Macondo, a la cabeza de Isabel Jurado.

Según cuenta Claudia Gaensel, Macondo es una empresa Boliviana “que tiene cinco años en el mercado, en los cuales hemos crecido mucho. Nuestra intención es profesionalizar el arte, importar y exportar talento, realizar producciones que no tienen nada que envidiar a los países de la región y poco a poco lo conseguimos. Cada año nos superamos a nosotros mismos y estamos muy orgullosos y contentos por eso”. 

En su trabajo como actriz, Claudia ha participado en importantes películas como “La Guerrilla del Che parte 2” y “También la lluvia”, pero trabaja en producción artística hace 20 años, “es mi vida”, asegura y agrega que: “Sin duda el cine es mi pasión y es un lugar en el que sigo y no pienso dejar, pero el teatro es un camino sin retorno, una vez que empiezas necesitas sentir la adrenalina que te da el contacto y la evaluación inmediata del público. Mi debut en los musicales se llama Leonel Fransezze, él me invito, me convenció, y no me queda más que decirle gracias”.

“Quiero contarte –adelanta la actriz en la entrevista– que este año con Macondo estrenamos una película titulada ‘Muralla’, es la opera prima de Gory Patiño, un peliculón, y nos encontramos en plenos ensayos de otro musical esta vez uno inédito que se estrena en Bolivia, lo cual también me tiene muy contenta y en un proceso creativo muy intenso”.

Macondo Art ya estuvo por Cochabamba en el mes de febrero pasado, presentando “La Traviata”, un espectáculo musical que tuvo lleno completo. Para “Drácula el Musical” los precios de las entradas serán de 50, 80, 100 y 120 bolivianos y las mismas pueden ser compradas a través de www.Superticket.com.

Convocatoria para el XXVII Premio Nacional de Teatro Peter Travesí Canedo

Hasta las seis de la tarde del martes 31 de julio de 2018 serán recibidas las postulaciones de las compañías, elencos, grupos o personas dedicadas hace un mínimo de tres años al teatro y que deseen participar con su trabajo en la versión XXVII del Premio Nacional de Teatro Peter Travesí Canedo, que se desarrollará en Cochabamba entre el 21 y 28 de septiembre próximo.

Según la convocatoria que ha sido lanzada este miércoles 9 de mayo, cada postulante solamente podrá presentar una obra teatral de temática libre, nacional o extranjera, y que tenga una duración no menor a 40 minutos ni mayor a 90. Las obras deberán haber sido presentadas en funciones públicas entre enero de 2016 y julio del 2018, y no haber participado en versiones anteriores del Premio.

“Los solicitantes deberán tomar en cuenta posibles restricciones que existieran sobre derechos de autor de las obras presentadas, cuidando de no infringir ninguna normativa vigente. El hallazgo de transgresiones en este sentido dará lugar a la descalificación de la propuesta presentada”, señala la convocatoria.

“Con la firme intención de asumir el criterio de inclusión en la presente versión”, los organizadores han decidido aceptar “propuestas en las modalidades de Teatro de Sala con siete plazas y Teatro de Espacios Alternativo con tres plazas. Los parámetros para la selección en ambas categorías serán diferenciados”.

Sobre los premios, la XXVII versión del Peter Travesí Canedo otorgará a cada una de las obras seleccionadas el Premio a la producción teatral 2016–2018, que consiste en un reconocimiento económico de 850 dólares americanos o su equivalente en bolivianos, más una estatuilla. También se otorgará un reconocimiento de 200 dólares en las categorías de Mejor Actriz, Mejor Actor, Mejor Director, Mejor Obra y Mejor Dramaturgia original.

Una vez que el jurado elija las obras, elección prevista para la primera quincena de agosto, los resultados serán comunicados por los organizadores “vía correo electrónico al director o representante de cada elenco postulante mediante una Carta Oficial de Invitación en formato digital hasta el miércoles 15 de agosto de 2018”. Según la convocatoria, los seleccionados deberán confirmar su participación vía correo electrónico hasta el lunes 20 de agosto de 2018, aceptando todas las condiciones del Premio. “De no contar con la confirmación del grupo seleccionado en la fecha indicada, el Comité de Administración procederá a su inmediato reemplazo”.

 

En Santa Cruz se estrena L.O.V.E., lo nuevo de Pez Plátano

Por María José Ferrel

Con la presencia de actores cochabambinos, Pez Plátano vuelve a la escena nacional, esta vez con su nueva obra denominada simplemente L.O.V.E. que tiene un elenco de lujo dirigido por Fred Núñez.  Es así que la experiencia de Glenda Rodríguez y Paola Ríos, quienes vuelven a los escenarios después de un tiempo, se une a la juventud emergente de Raymundo Ramos y Juan Pedro Montefinale.

“Inicié mi trabajo en la obra primero estudiando, después descubrí y entendí quién es aquel hombre personaje que trae un misterio de algo que está pasando allá. Tuvimos entrenamientos matutinos acompañados del director, para conseguir el personaje, su estética física y su universo de interpretación. Se leyó constantemente, obtuvimos un entendimiento grupal de lo que nos cuenta la obra en su conjunto para desarrollar una buena participación”, explica el actor cochabambino Raymundo Ramos, sobre el proceso de trabajo.

La temporada de L.O.V.E. inicia en Santa Cruz este 4 de mayo con presentaciones a las 20.30 todos los viernes y sábados hasta el 26 de mayo. La obra también tendrá una pequeña gira nacional en el futuro con fechas todavía a confirmar.

“Es un día cualquiera, un día normal. Nos encontramos en una calle cualquiera, en una calle normal. Pero algo ha roto la normalidad. Algo pasó. Allá estalló ¿una revolución? ¿Un golpe de Estado? ¿Una Guerra Civil? Los personajes están ajenos al horror, a excepción de hombre que viene de allá”, señala la reseña de la obra.

L.O.V.E. juega con dos espacios: Uno el Acá y otro el Allá. Ambos se unen para abrir la ventana hacia lo cotidiano, lo Normal.

La obra es el segundo trabajo en el corto tiempo de vida que tiene el proyecto teatral Pez Plátano, que el pasado 2015 presentó la obra “Bajo el puente”, que trata sobre la masacre de El Porvenir.

Núñez retorna a la dirección junto a la escritura de Sebastián Romero, que esta vez explora los espacios que suceden en lo que él considera como “la extra-escena”.

“Se terminó de escribir el año 2016, fue un proceso que tuvo varios descansos y reposos del texto para dejarlo macerar”, adelanta Romero desde España, donde reside hace un par de años. Con respecto a la idea de “la extra-escena” explica que esto sugiere “un universo que no se ve pero que se sabe que existe”.

En la dirección de arte se encuentra Cesar Morón, conocido arquitecto con una importante participación en el cine. En esta ocasión se encarga de la dirección de arte de la obra.

El encuentro entre el teatro y el audiovisual marcan la propuesta teatral de L.O.V.E, al ser una propuesta pensada en la convergencia de varios elementos. “Uno de los mayores desafíos fue la incorporación del material audiovisual y del sonido para que jugaran no un papel de apoyo, sino más bien de acompañamiento, diálogo o contradicción”, relata Núñez. El director formado en artes escénicas en la Escuela Nacional de Teatro (ELN), explica que en el montaje cada elemento elegido está supeditado al otro. “No queríamos hacer una obra express, sino darle a L.O.V.E. la oportunidad de quedarse con nosotros e ir creciendo. Este es un trabajo que ha involucrado dedicación y sacrificio por parte de todo el equipo”, apunta.

El proyecto Pez Plátano es la sección enfocada exclusivamente al teatro de Núñez & Heinrich Media Producers, productora de contenidos que no solamente se dedica al trabajo audiovisual sino también al teatro, a su revista digital Aullidos de la Calle y el pasado 2017 iniciaron su proyecto de formación con la llegada a Bolivia de la escritora Samanta Schweblin.

El audiovisual es a lo que la productora Núñez & Heinrich se dedica a tiempo completo. “Llevamos ya bastante tiempo corriendo detrás de una cámara. En el proceso de L.O.V.E. hemos puesto al servicio del teatro ese mundo. Como el teatro se trata del mundo y del hombre, estos son nuestros primeros intentos de diálogo entre estos dos soportes”, finaliza Núñez.

Además de actores consolidados y emergentes, L.O.V.E. presenta un equipo conformado por destacados profesionales en el área. El manejo de luces es del  fotógrafo Gustavo Soto, el vestuario de Paola Lambertin; la asistencia de dirección es de Alana Delgadillo y Melina Terceros; y el equipo técnico está conformado por Benjamín Richter, Isaac Nogales y Rodrigo Mendoza.

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