Claudia Eid: El teatro es necesidad, encuentro, expresión y libertad

Por Claudia Gonzales Yaksic

“Yo creo que no se puede convencer a nadie para que haga teatro, el teatro es algo que te llama, y cuando respondes a ese llamado... No hay vuelta atrás (risas). Por lo menos así fue para mí. Querer hacer teatro o cualquier otro arte, responde a la necesidad de encontrarse con uno, a la necesidad de expresar las inconformidades y a la necesidad de tener algo de libertad”, dice la actriz, directora de teatro y dramaturga Claudia Eid Asbun, cuando responde a la pregunta ¿Cómo convencerías a alguien interesado en el teatro para estudiar teatro?

En una entrevista virtual con Plaza Catorce, a propósito del taller de actuación “El espacio de la impro”, que impartirá del 30 de julio al 3 de agosto en Cochabamba, Claudia Eid asegura que enseñar teatro la refresca y, lo más importante, aprende mucho. “Pero además –dice—me gusta mucho cuando veo a alguien sorprenderse a sí mismo, jugar tan bien que la ficción deja de ser ficción para comenzar a suceder”.

Con poco más de dos décadas de trabajo profesional, primero como actriz, después como directora y luego como dramaturga, el gusto de Claudia por el teatro comenzó cuando estaba aún en la escuela. “Cuando tenía 12 o 13 años, en mi colegio, el Instituto Americano, había un festival de teatro, había que participar para aprobar Lenguaje, yo me lo tomaba muy en serio, ahí ya comencé a actuar y después a dirigir, renegaba tanto como ahora. Recuerdo además que me gustaba ir a Tra-la-la, mi mamá nos llevaba, y también era emocionante ver a Peter Travesí recoger a sus hijos de mi colegio, lo veía casi todos los días a la salida y le gritaba: ¡Charanguito!”, recuerda.

Años después, en 1996 específicamente, comenzó su carrera teatral bajo la dirección de Hugo Francisquini y después trabajó varios años junto a Diego Aramburo. En su faceta de directora y dramaturga, el año 2005 creó el grupo independiente El Masticadero y a partir de entonces ha escrito varias obras muy buenas, como “Desaparecidos” y “Princesas”.

Sus textos han sido publicados en Bolivia (Quipus: nudos para una Dramaturgia Boliviana/ Antología del Teatro boliviano), en España (Hojas Volantes), en Argentina (Antología del drama latinoamericano), Cuba (Antología de Dramaturgia Boliviana) y en Río de Janeiro (Brasil) dentro del proyecto Periférico, el mismo que financió la puesta en escena de “Desaparecidos”, en dicho país. Sus obras junto a El Masticadero han estado en festivales nacionales e internacionales: en La Paz, Santa Cruz, Cochabamba y Sucre; y en ciudades de Argentina, Chile y Brasil.

Del 30 de julio al 3 de agosto próximos, Claudia Eid impartirá el taller de actuación “El espacio de la impro”, que está dirigido a hombres y mujeres mayores de 18 años, con o sin experiencia en actuación. En este taller hará una aproximación al conocimiento de “las herramientas del actor\actriz, la comprensión de la situación, las formas para abordar el texto dramático y los juegos de improvisación dentro de la escena”. Las inscripciones están abiertas hasta el 25 de julio, “ya que los participantes deben llegar con un texto breve aprendido, que será designado por la tallerista”. Para más información contactarse a través del correo electrónico Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. o en el link https://www.facebook.com/ElMasticadero/.

Aquí la pequeña entrevista de Plaza Catorce con Claudia Eid: 

El mismo tiempo que llevas actuando (o similar), te has dedicado también a la enseñanza. ¿Qué dices de tus alumnos primeros, dónde están, qué están haciendo?

Sí, llevo bastante tiempo enseñando, pues hay artistas como Jorge Alaniz quien estuvo en el primer taller que di en la Casa de la Cultura y ahora tiene su propio grupo y escribe y dirige. Enseñé también durante muchos años en el Taller de Teatro de la UPB y trabajo con actrices muy talentosas que han tenido parte de su formación ahí, como Lía Michel y Daniela Gabela, que son parte de El Masticadero desde hace ya un buen tiempo. También he trabajado con actrices más jóvenes que estuvieron en dicho taller, como Anelise Garrett. Además di clases para el elenco del mARTadero cuando se estaba formando, y ahí conocí a Isabel Fraile, una actriz talentosa que también es parte de El Masticadero actualmente. 

 Ya tienes por lo menos dos décadas de tu vida dedicadas a la actuación y al teatro. ¿Qué es la actuación para ti y qué significa?

Sí, ya voy 22 años y comencé actuando en el teatro, después ya pasé a la dirección y dramaturgia. Pero la actuación se ha ido transformando para mí. Primero era un espacio mucho placer, quizás porque cuando uno es más joven tiene menos miedos, después se transformó en un espacio de pánico, ya no lo disfrutaba tanto y por eso prefería ya no actuar, pero ahora el placer ha vuelto, las ventajas de la edad avanzada (ríe). Ahora la actuación además de ser un espacio de placer es, igual que la dramaturgia o la dirección, un lugar desde donde puedo cuestionarme. 

 La pregunta de rigor: ¿Qué de positivo aporta para ti el teatro a la sociedad?

Esa pregunta me da muchas vueltas, porque siempre se les demanda "utilidad" a las artes. A veces pienso que realmente las artes no tienen ni deben tener utilidad. Sólo sé que se me hace imprescindible que exista la novela ‘Pedro Páramo’, que haya existido Bertolt Brecht con todas sus contradicciones, que Leonard Cohen haya cantado ‘Dance me to the end of love’, que Sergio Blanco haya escrito ‘Tebas Land’, que Tomaz Pandur haya puesto a una mujer a interpretar ‘Hamlet’, que existan una Romina Paula, una Lola Arias, etcétera, etcétera, etcétera.

 En estas dos décadas, ¿cómo has visto la evolución del teatro cochabambino?

Creo que el teatro en Cochabamba siempre está entre idas y vueltas. Sin duda nuestro punto flaco es la calidad y sin duda parte del lento desarrollo tiene que ver con que los teatreros cochabambinos se preocupan más por las rencillas que por el trabajo, es así que no logramos organizarnos como gremio para conseguir más espacios, más formación, un trato justo con nuestra profesión, la implementación de políticas culturales que amparen nuestra actividad, etcétera, etcétera, etcétera.

Comienza la promoción del XII FITCRUZ 2019

Este miércoles 20 de junio, en la Casa Melchor Pinto de la capital cruceña, la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC) inició el lanzamiento de la imagen de lo que promete ser el XII Festival Internacional de Teatro “Santa Cruz de la Sierra” (FITCRUZ), uno de los más grandes y prestigiosos de Bolivia, que se realizará entre el 26 de abril y el 5 de mayo de 2019.

La presentación de la imagen convertida en afiche estuvo a cargo de la presidenta de APAC, la escritora y gestora cultural Sarah Mansilla, quien resaltó que el “Festival del 2019 apuesta a potenciar el turismo en la ciudad y las provincias (de Santa Cruz). Queremos que sea un festival mucho más grande, es por eso que necesitamos más apoyo y más tiempo de preparación. Así mismo—dijo—invitamos al público que vibre y nos acompañe durante los 10 meses de preparación del Festival”.

La otra gran novedad fue el anuncio del retorno del gran gestor cultural Marcelo Arauz como Director Artístico del evento, quien estuvo alejado un par de años y ahora vuelve para hacerse cargo de la programación del evento junto al actor y director de teatro Marcelo Alcón.

“Lo que quiero contarles inicialmente es que este trabajo que estamos realizando a la cabeza de Sarah Mansilla y Marcelo Arauz, es un conjunto de procesos creativos fundamentalmente, y el primero de ellos ha sido con nuestro amigo, artista, profundo creativo, Roberto Varcarcel”, comenzó diciendo Marcelo Alcón durante su intervención, insistiendo en que el concepto creativo del afiche con el que se promociona el festival tiene que ver con la identidad. “Es decir, un festival es una fiesta artística, es un momento de encuentro que necesita una identidad y hemos elegido que esa identidad esté apoyada en Santa Cruz de la Sierra. Estamos viendo al mundo desde este lugar y creemos que es muy importante poner en valor Santa Cruz de la Sierra, porque es desde ahí donde va surgir este discurso que tiene que ver con lo poético, con lo teatral, con lo artístico y finalmente con esta fiesta que nos reunirá a todos”.

El segundo proceso creativo, según Alcón, se basa en el espíritu artístico del festival, también reflejado en el arte de la imagen del afiche con el que prácticamente desde este 20 de junio se inaugura el diálogo con instituciones, artistas, empresas y por supuesto, y fundamental, el público. El tercer proceso creativo es el programa de lo que será el festival y en el que se quiere reflejar el trabajo que han ido desarrollando los organizadores, visitando otros países y ciudades para realizar co-producciones, invitar a artistas de Bolivia y del exterior para desarrollar nuevas creaciones que sean presentadas como inéditas durante el FITCRUZ 2019. El cuarto proceso creativo, explicó Marcelo Alcón, es el programa que será presentado el mes de noviembre próximo con un 90 por ciento de avance.

En ese sentido, el FITCRUZ 2019 apostará por mostrar al mundo la calidad de exportación del teatro boliviano. Es por ello que se desarrollarán varias coproducciones y una de ellas ya está en marcha. Se trata de la puesta en escena de la obra “El Portavoz”, escrita por Óscar Barbery en la década del 80 del siglo pasado. Este es un trabajo conjunto entre la Asociación Pro Arte y Cultura, la compañía de teatro Ditirambo y el dramaturgo argentino Leonardo Garviloff.

Finalmente, durante su intervención Marcelo Arauz, importante gestor e impulsor del arte en Santa Cruz y por ello considerado como Alma Tutelar de la Cultura Cruceña, habló del constante trabajo que realiza APAC en sus más de dos décadas de trabajo por llevar cultura a las zonas más alejadas y populosas del centro cruceño, pese a la escasa y a veces inexistente infraestructura. Arauz destacó la necesidad de que zonas como el Plan Tres Mil y la Villa Primero de Mayo, cada una con alrededor de 300 mil habitantes, comiencen a contar con espacios escénicos propios donde puedan ser presentadas obras de teatro, entre otras expresiones artísticas. En ese sentido dijo que ya tiene conocimiento de que en la Villa Primero de Mayo se construye un espacio cultural que ojalá pueda ser replicado en otras zonas y provincias cruceñas donde, él es testigo, la gente ama el teatro.

En el acto estuvieron presentes no solo representantes de la APAC y del FITCRUZ, sino también de la Gobernación y la Alcaldía cruceñas, la Escuela Nacional de Teatro, el Goethe-Zentrum, además de escritores y artistas de la danza.

SOBRE EL FITCRUZ

El Festival Internacional de Teatro “Santa Cruz de la Sierra” se fundó el año 1996 y a partir de entonces se realiza todos los años impares, y tiene como principal objetivo el acercar el teatro a la gente, llevando el arte escénico a los barrios más alejados de la ciudad y las provincias del departamento de Santa Cruz, bajo el slogan “Multiplicando Miradas”.

La Asociación Pro Arte y Cultura trabaja en la creación y consolidación de movimientos artísticos contribuyendo al logro de estos objetivos: una mejor sociedad y mayor inclusión social.

"Drácula el Musical" llega a Cochabamba

“Drácula el Musical”, una obra de los argentinos Pepe Cibrián y Ángel Mahler y que será puesta en escena por el equipo de Macondo Art, llega a Cochabamba el próximo 1 de junio, donde será presentada a las 19:30 en el Coliseo Alemán Santa María.

Bajo la dirección de Leonel Fransezze y Fabricio Ferrufino, en el escenario estarán unas 30 personas, entre actores, cantantes y bailarines y detrás de bambalinas otras 20. “Somos unas 50 personas viajando por el país. Lindo reto. Más allá de los 30 artistas que se ven en escenario, tenemos otros artistas detrás cuyo aporte es definitivo para la calidad del espectáculo en luces, sonido, vestuario, escenografía. La factura de imagen de las obras está determinada por estos aspectos también”, explica en una entrevista virtual con Plaza Catorce, la actriz y productora Claudia Gaensel. 

En los roles principales de esta adaptación de la centenaria novela “Drácula” (1897), del escritor irlandés Bram Stoker, actúan en los roles principales Leonel Fransezze, que interpreta al conde Drácula; Michelle Csapek es Mina; Roberto Cainzo encarna a Jonathan Harker y Claudia Arce a Lucy; y completan el elenco José Luis Duarte como el legendario Van Helsing y Sofía Ayala como Nani.

“Drácula el Musical” se estrenó el año pasado en La Paz, donde se presentó en nueve funciones con volteo de taquilla y también llegó a Potosí donde, en una única función, logró reunir a 1.200 espectadores. “El musical argentino más exitoso de los últimos 20 años llegó a Bolivia, se estrenó en la ciudad de La Paz con elenco local en septiembre de 2017, con gran convocatoria de público”. Hasta el momento, según Macondo, este musical ha sido visto por 9.500 espectadores en Bolivia, “marcando un precedente histórico en nuestro teatro. Macondo Art logró que la producción en escena esté a la altura de las grandes capitales del mundo, con un estupendo despliegue de luces, vestuario, escenografía y gran calidad interpretativa del elenco”.

DIRECCIÓN Y PRODUCCIÓN

Leonel Fransezze, director general y actor principal en “Drácula el Musical”, es argentino radicado en Bolivia hace varios años, donde se desempeña como director, productor, presentador de televisión, actor y cantante. Estudió canto lírico con profesores del Teatro Colón y teatro en la escuela argentina “Brio”. El 2010 debutó profesionalmente en Calle Corrientes (Argentina) con el musical “Drácula”, oportunidad en la que interpretó a Jonathan Harker. Desde que ha llegado a Bolivia, ha trabajado en la producción de más de una decena de eventos artísticos: “El Hombre de la Mancha”, “Chicago”, “Jesucristo Super Star”, “Las Criadas”, entre otras. En su faceta de actor de cine, ha trabajado en películas como "Engaño a Primera Vista" y “Averno"; y en teatro, bajo la dirección de Fernando Arze, en la obra “REC”. El año pasado participó como jurado de los Premios Platino 2017 celebrados en Madrid (España) y también es productor de la miniserie “La Entrega”, que se estrenará este 2018.

En “Drácula el Musical”, Fabricio Ferrufino es el director de coreografía. Fabricio tiene formación en ballet clásico, jazz dance y danzas de salón, entre otras y fue parte del Ballet Oficial de Bolivia, bajo la dirección de Norma Quintana. Por su trayectoria profesional ha recibido varios reconocimientos y ha ganado premios, entre ellos dos premios Eduardo Abaroa (2013). Bailarín y coreógrafo de profesión, junto a su compañía de Jazz Dance CODA, Fabricio ganó el Concurso Nacional de Danza “Melba Zárate”. Actualmente forma parte del directorio de Asoadanz, es bailarín independiente y director general de la Escuela de Jazz Dance y Compañía CODA.

La actriz Claudia Gaensel es la productora de este este espectáculo y también responsable y creadora del diseño de vestuario, uno de los grandes atractivos de “Drácula el Musical”, vestuario que ha sido confeccionado por el grupo de Macondo, a la cabeza de Isabel Jurado.

Según cuenta Claudia Gaensel, Macondo es una empresa Boliviana “que tiene cinco años en el mercado, en los cuales hemos crecido mucho. Nuestra intención es profesionalizar el arte, importar y exportar talento, realizar producciones que no tienen nada que envidiar a los países de la región y poco a poco lo conseguimos. Cada año nos superamos a nosotros mismos y estamos muy orgullosos y contentos por eso”. 

En su trabajo como actriz, Claudia ha participado en importantes películas como “La Guerrilla del Che parte 2” y “También la lluvia”, pero trabaja en producción artística hace 20 años, “es mi vida”, asegura y agrega que: “Sin duda el cine es mi pasión y es un lugar en el que sigo y no pienso dejar, pero el teatro es un camino sin retorno, una vez que empiezas necesitas sentir la adrenalina que te da el contacto y la evaluación inmediata del público. Mi debut en los musicales se llama Leonel Fransezze, él me invito, me convenció, y no me queda más que decirle gracias”.

“Quiero contarte –adelanta la actriz en la entrevista– que este año con Macondo estrenamos una película titulada ‘Muralla’, es la opera prima de Gory Patiño, un peliculón, y nos encontramos en plenos ensayos de otro musical esta vez uno inédito que se estrena en Bolivia, lo cual también me tiene muy contenta y en un proceso creativo muy intenso”.

Macondo Art ya estuvo por Cochabamba en el mes de febrero pasado, presentando “La Traviata”, un espectáculo musical que tuvo lleno completo. Para “Drácula el Musical” los precios de las entradas serán de 50, 80, 100 y 120 bolivianos y las mismas pueden ser compradas a través de www.Superticket.com.

Convocatoria para el XXVII Premio Nacional de Teatro Peter Travesí Canedo

Hasta las seis de la tarde del martes 31 de julio de 2018 serán recibidas las postulaciones de las compañías, elencos, grupos o personas dedicadas hace un mínimo de tres años al teatro y que deseen participar con su trabajo en la versión XXVII del Premio Nacional de Teatro Peter Travesí Canedo, que se desarrollará en Cochabamba entre el 21 y 28 de septiembre próximo.

Según la convocatoria que ha sido lanzada este miércoles 9 de mayo, cada postulante solamente podrá presentar una obra teatral de temática libre, nacional o extranjera, y que tenga una duración no menor a 40 minutos ni mayor a 90. Las obras deberán haber sido presentadas en funciones públicas entre enero de 2016 y julio del 2018, y no haber participado en versiones anteriores del Premio.

“Los solicitantes deberán tomar en cuenta posibles restricciones que existieran sobre derechos de autor de las obras presentadas, cuidando de no infringir ninguna normativa vigente. El hallazgo de transgresiones en este sentido dará lugar a la descalificación de la propuesta presentada”, señala la convocatoria.

“Con la firme intención de asumir el criterio de inclusión en la presente versión”, los organizadores han decidido aceptar “propuestas en las modalidades de Teatro de Sala con siete plazas y Teatro de Espacios Alternativo con tres plazas. Los parámetros para la selección en ambas categorías serán diferenciados”.

Sobre los premios, la XXVII versión del Peter Travesí Canedo otorgará a cada una de las obras seleccionadas el Premio a la producción teatral 2016–2018, que consiste en un reconocimiento económico de 850 dólares americanos o su equivalente en bolivianos, más una estatuilla. También se otorgará un reconocimiento de 200 dólares en las categorías de Mejor Actriz, Mejor Actor, Mejor Director, Mejor Obra y Mejor Dramaturgia original.

Una vez que el jurado elija las obras, elección prevista para la primera quincena de agosto, los resultados serán comunicados por los organizadores “vía correo electrónico al director o representante de cada elenco postulante mediante una Carta Oficial de Invitación en formato digital hasta el miércoles 15 de agosto de 2018”. Según la convocatoria, los seleccionados deberán confirmar su participación vía correo electrónico hasta el lunes 20 de agosto de 2018, aceptando todas las condiciones del Premio. “De no contar con la confirmación del grupo seleccionado en la fecha indicada, el Comité de Administración procederá a su inmediato reemplazo”.

 

En Santa Cruz se estrena L.O.V.E., lo nuevo de Pez Plátano

Por María José Ferrel

Con la presencia de actores cochabambinos, Pez Plátano vuelve a la escena nacional, esta vez con su nueva obra denominada simplemente L.O.V.E. que tiene un elenco de lujo dirigido por Fred Núñez.  Es así que la experiencia de Glenda Rodríguez y Paola Ríos, quienes vuelven a los escenarios después de un tiempo, se une a la juventud emergente de Raymundo Ramos y Juan Pedro Montefinale.

“Inicié mi trabajo en la obra primero estudiando, después descubrí y entendí quién es aquel hombre personaje que trae un misterio de algo que está pasando allá. Tuvimos entrenamientos matutinos acompañados del director, para conseguir el personaje, su estética física y su universo de interpretación. Se leyó constantemente, obtuvimos un entendimiento grupal de lo que nos cuenta la obra en su conjunto para desarrollar una buena participación”, explica el actor cochabambino Raymundo Ramos, sobre el proceso de trabajo.

La temporada de L.O.V.E. inicia en Santa Cruz este 4 de mayo con presentaciones a las 20.30 todos los viernes y sábados hasta el 26 de mayo. La obra también tendrá una pequeña gira nacional en el futuro con fechas todavía a confirmar.

“Es un día cualquiera, un día normal. Nos encontramos en una calle cualquiera, en una calle normal. Pero algo ha roto la normalidad. Algo pasó. Allá estalló ¿una revolución? ¿Un golpe de Estado? ¿Una Guerra Civil? Los personajes están ajenos al horror, a excepción de hombre que viene de allá”, señala la reseña de la obra.

L.O.V.E. juega con dos espacios: Uno el Acá y otro el Allá. Ambos se unen para abrir la ventana hacia lo cotidiano, lo Normal.

La obra es el segundo trabajo en el corto tiempo de vida que tiene el proyecto teatral Pez Plátano, que el pasado 2015 presentó la obra “Bajo el puente”, que trata sobre la masacre de El Porvenir.

Núñez retorna a la dirección junto a la escritura de Sebastián Romero, que esta vez explora los espacios que suceden en lo que él considera como “la extra-escena”.

“Se terminó de escribir el año 2016, fue un proceso que tuvo varios descansos y reposos del texto para dejarlo macerar”, adelanta Romero desde España, donde reside hace un par de años. Con respecto a la idea de “la extra-escena” explica que esto sugiere “un universo que no se ve pero que se sabe que existe”.

En la dirección de arte se encuentra Cesar Morón, conocido arquitecto con una importante participación en el cine. En esta ocasión se encarga de la dirección de arte de la obra.

El encuentro entre el teatro y el audiovisual marcan la propuesta teatral de L.O.V.E, al ser una propuesta pensada en la convergencia de varios elementos. “Uno de los mayores desafíos fue la incorporación del material audiovisual y del sonido para que jugaran no un papel de apoyo, sino más bien de acompañamiento, diálogo o contradicción”, relata Núñez. El director formado en artes escénicas en la Escuela Nacional de Teatro (ELN), explica que en el montaje cada elemento elegido está supeditado al otro. “No queríamos hacer una obra express, sino darle a L.O.V.E. la oportunidad de quedarse con nosotros e ir creciendo. Este es un trabajo que ha involucrado dedicación y sacrificio por parte de todo el equipo”, apunta.

El proyecto Pez Plátano es la sección enfocada exclusivamente al teatro de Núñez & Heinrich Media Producers, productora de contenidos que no solamente se dedica al trabajo audiovisual sino también al teatro, a su revista digital Aullidos de la Calle y el pasado 2017 iniciaron su proyecto de formación con la llegada a Bolivia de la escritora Samanta Schweblin.

El audiovisual es a lo que la productora Núñez & Heinrich se dedica a tiempo completo. “Llevamos ya bastante tiempo corriendo detrás de una cámara. En el proceso de L.O.V.E. hemos puesto al servicio del teatro ese mundo. Como el teatro se trata del mundo y del hombre, estos son nuestros primeros intentos de diálogo entre estos dos soportes”, finaliza Núñez.

Además de actores consolidados y emergentes, L.O.V.E. presenta un equipo conformado por destacados profesionales en el área. El manejo de luces es del  fotógrafo Gustavo Soto, el vestuario de Paola Lambertin; la asistencia de dirección es de Alana Delgadillo y Melina Terceros; y el equipo técnico está conformado por Benjamín Richter, Isaac Nogales y Rodrigo Mendoza.

Con el teatro de Madrastra, Cochabamba presente en “Periférica Off”

Por María José Ferrel/ANF 

Con la tercera y cuarta parte de la “Dodecalogía de la Destrucción” de Arfuy Teatro, “Los Mulas” de la compañía Madrastra, “Bárbaros” del grupo Bárbaros y “Radio Paranoia” de Teatro La Cueva, se inicia este viernes 27 de abril en El Desnivel de la ciudad de La Paz el Periférica Off 2018, bajo una selección enfocada en “otras miradas” en cuanto al hacer teatro en Bolivia. Impulsan la muestra los artistas escénicos Miguel Ángel Estellano y Enrique Gorena, con el apoyo de los autores, directores y actores de las obras que se presentarán.

La Paz está a punto de iniciar un nuevo festival Internacional de teatro (FITAZ). Los festivales son considerados como una fiesta que compromete a todos con la horizontalidad, pluralidad, diversidad e inclusión, razón del nacimiento de la muestra paralela Off. “A partir de esto, nace 'el Periférica Off', se trata de mostrar obras que parten de la experimentación, buscan otros espacios de reflexión en cuanto a ver y hacer teatro; otras formas, procesos, actuaciones, estéticas y abordajes”, indica Miguel Ángel Estellano, parte del espacio escénico El Desnivel, que propone una selección de cuatro obras realizadas en los últimos cuatro años en Bolivia.

Además de ser propuestas arriesgadas y poco convencionales en el arte escénico nacional, las cuatro obras seleccionadas tienen dramaturgia propia, algo fundamental para los organizadores del Periférica Off. “El tener como eje principal el teatro de autor tiene el fin de promover el teatro que tiene una búsqueda e interpela a una sociedad, pues es fruto de esta. Puesto que en la necesidad financiera de los festivales hay una mayor tendencia hacia un teatro de espectáculo es decir hacia lo comercial”, recalca Estellano.

Para Estellano, siempre hay visiones encontradas en cuanto a qué se define como teatro pertinente: “las instituciones tienden a la esclerosis, es por ello que las muestras Off o espacios alternativos nacen como una opción para quienes están ávidos de otras miradas”, finaliza.

La muestra Periférica Off está enfocada en teatro para adultos, así que la edad mínima de ingreso es de 16 años. El abono para las cuatro obras es de Bs 100 y la venta unitaria será de Bs 30. Después de cada función El Desnivel propone una barra fiestera especial para aquellos que disfrutan la buena música y las bebidas espirituosas.

LOS MULAS

Desde Cochabamba es parte de la muestra Periférica Off la compañía de teatro Madrastra. Se presentan con “Los Mulas” el domingo 29 de abril a las 20:00, como estreno en La Paz, en El Desnivel (calle Sánchez Lima #2282 entre Guachalla y Rosendo Gutiérrez).

“¿Qué siente el hombre cuando está a punto de declararse a una mujer?”, se preguntó el artista escénico Alejandro Marañón, como detonante para escribir “Los Mulas”. “Como hombre puedo decir que uno experimenta una fragilidad absoluta y lo que venga después puede definir, definitivamente, el resto del día.  Lo peor que podría pasar es que ella diga que no, o quien sabe, lo peor que podría pasar es que ella diga que sí.  Entonces empecé a jugar con esta frágil situación y en eso me pareció muchas más interesante que aparezcan más presencias masculinas”, relata Marañón, para quien a veces “todo lo que le queda a un hombre es un amigo”.

A partir de esta idea el grupo empezó a crear situaciones, encuentros, a hacer memoria y la obra se fue armando para después de un año de iniciado el proyecto de dramaturgia se monte “Los Mulas” en cinco meses. Actúan Gabriela Melendres, Gabriel Caballero, Gabriel Martínez y Bismark Chávez. 

DODECALOGÍA DE LA DESTRUCCIÓN

Arfuy Teatro presenta lo que es llamado ya por algunos como “un hecho post dramático en el teatro boliviano” con su “Dodecalogía de la Destrucción”, la cual no se enfoca en el drama sino en la experiencia teatral. La “Dodecalogía de la Destrucción” es un proyecto de doce obras -una por mes- en la que se reflexiona alrededor de la destructividad, la moral, la conciencia del ser y el azar.

“Doce obras entrelazadas una con otra, tal cual una red de araña, con énfasis en desvelar el proceso de creación y tensar la creación escénica, así como el diálogo con el espectador”, indica el director y dramaturgo, Winner Zeballos.

En esta ocasión, la 3ra. y 4ta. parte tienen 2 horas y 30 minutos de duración. El objetivo final de Zeballos es presentar las obras en diciembre en una jornada única de doce horas. Actúan Chelsie Zeballos, Rosa Caballero, Newton Zeballos, Karen Chávez y también Winner con Kike Gorena como invitado. Se presenta el viernes 27 de abril a las 20:00.

BÁRBAROS

“Bárbaros”, realizada en colectivo con la adaptación de un texto lingüístico de Teodorov por parte de Darío Torrez, propone una ruptura con los cánones establecidos dentro del teatro a través de nuevas búsquedas en cuanto al lenguaje escénico.

“Quizás el teatro sea el sitio por excelencia donde el espectador de este mundo pueda abandonar su complicidad pasiva con el Maquinista, descubrir los engranajes con los que la maquina lo alimenta con bellas mentiras. Y digo ‘por excelencia’ porque hay pocos sitios en este universo, donde la realidad y la ficción se encuentran en una cercanía tan inmediata y donde no se combaten, sino que se revelan recíprocamente”, inicia una especie de manifiesto de Bárbaros.

Según explican los creadores de la obra, “Bárbaros” es un acto teatral que busca ofrecer al público la experiencia de percibirse a sí mismo construyendo su miedo y su seguridad, su escepticismo y su credulidad, y tomar la decisión de permanecer en su butaca o salir del teatro.

“Queremos que el público tenga la opción de verse en proceso de construir narrativas que intentan explicar lo que está aconteciendo y de actuar como el maquinista del espectáculo que está ocurriendo en su mente. Esperamos que esa experiencia sea como la de un laboratorio donde lo que ocurre ‘in vitro’ en el teatro, contribuya en algo a la lucidez de las personas”, finaliza el manifiesto. Bárbaros se muestra el día sábado 28 de abril a las 21:00.

RADIO PARANOIA

Para finalizar la muestra Periférica Off, se presenta el martes 1 de mayo desde las 21.00 la obra “Radio Paranoia”, que sea, quizás, la obra que más reposiciones ha tenido en el país el último par de años. También fue parte de una pequeña gira internacional con presentaciones en Argentina y Chile. La obra destaca por sus actores, Patricia García, Pedro Grossman, Miguel Estellano y Piti Campos que presentan un guion original de Kike Gorena.

“Me interesaba reflexionar sobre una extrema soledad y todas las pasiones que acompañan a los líderes de opinión. El peso de la verdad directa en nuestra idiosincrasia. En el camino me encontré con el humor negro y me dediqué a jugar con eso”, reflexiona Gorena sobre la obra.

La escritura de “Radio Paranoia” fluye dentro del absurdo de las situaciones en una estética despreocupada; “que viene más de las tripas, que de la cabeza”, finaliza Gorena.

MJF // ANF

 

Alejandro Marañón: ¿cómo ve el hombre el amor?

Tres amigos, El Sinkler (que le declara su amor a todas), El Rafa (que se acuesta con todas) y El Gabo (que no puede vivir su madre) y la madre del Gabo son los personajes de “Los Mulas”, la nueva obra de teatro escrita y dirigida por Alejandro Marañón, que se vuelve a presentar mañana viernes 6 de abril, en una única función que comenzará a las 20:00 en Jazz Stop (frente a la Plaza de las Banderas). En esta pieza, que se estrenó a principios de marzo en el mARTadero, actúan: Gabriela Melendres, Gabriel Caballero, Gabriel Martínez y Bismar Chávez.

“Me puse a pensar ¿sobre qué podría escribir?, tal vez sobre algo que llegue a todo el mundo y que mueva su ser íntimo y sensible para que los llene de paz y así, uno a uno, llene de paz a la humanidad.  Luego me dije: No, yo no tengo la capacidad para escribir eso. Es más, eso no me interesa, ni me compete a mí, lo siento mundo. ¿Entonces de qué hablo? y decidí hablar de lo más cercano que tengo y de lo que soy: un verdadero sobreviviente y contar mi triste historia con el amor, y decidí hacerlo a través  de tres amigos y una madre --porque creo que la historia de amor de un hombre no es la misma sin sus amigos y su madre; que casi, casi, tienen la culpa de todo--.  Entonces me hice la pregunta clave, ¿cómo ve el hombre el amor?”. Así es como comenzó el proceso creativo de “Las Mulas”, según cuenta Alejandro Marañón, director del elenco Madrastra en una entrevista virtual con Plaza Catorce

Esta obra es la quinta que dirige Alejandro Marañón.  “Empecé con ‘La edad de la ciruela’ de Arístides Vargas. ‘Riñón de cerdo para el desconsuelo’ de Alejandro Ricaño –la dirigí con Ana Sánchez, ex fundadora de Madrastra–.  ‘La buenas muertes’ de Gabriel Calderón.  ‘La cantante calva’ de Eugene Ionesco  y ahora ‘Los Mulas’”.

Para Alejandro “es vital seguir escribiendo. ‘Los Mulas’ me ha dado paso a pensar en la siguiente obra.  Es de mi interés abrir un taller de teatro donde pueda experimentar y empezar una obra sin texto y sin palabras, posiblemente también apunte a la masculinidad, y formación permanente, claro”, cuenta. Además, Alejandro Marañón está trabajando con el elenco de La Mala Teatro, una obra de clown.   “Estoy participando en una producción de Sergio Fernández, que imagino saldrá a la luz en un par de meses”, adelanta el actor, director de teatro y dramaturgo.

En la siguiente entrevista y a propósito del Día Internacional del Teatro que se celebró el pasado 27 de marzo, Alejandro  habla sin pelos en la lengua sobre el teatro cochabambino y la actuación.

 ¿Cómo entraste al mundo del teatro?

Yo era el niño que sacaban en las horas cívicas para recitar un poema, para hacer de Cristo, para vestir de campesino, etcétera. Después, fui el chico que le gustaba hablar o que hablaba bien y que podía hacer teatro o que hacía reír a la gente, y sobre el final del colegio era el joven que sabía que el teatro le gustaba pero no sabía cómo seguir ni dónde.  Un tiempo después vi “Feroz” de Diego Aramburo y no me imaginaba que el teatro pudiera hacerse así, me encantó, después vi la “Iliada” de Cesar Brie y ya quedé completamente embrujado.  Empecé a tomar talleres con Diego, a contactar a grupos, a hacer obras; pequeñas obras, grandes obras, a ser sombra # 23, a asistir a lecturas, a conocer gente de teatro, a leer teatro, otro teatro y más teatro y de ahí vengo.

¿Cómo decidiste quedarte en el mundo del teatro?

Con los amigos decimos, uno nunca sabe por qué hace esto.  A veces pienso que me gusta decirle cosas a la gente, pero de forma interesante, me gusta que la gente se ría, que piense, que se emocione.  ¿Cómo decidí? Fue cuando me dijeron tú no puedes hacer esto.  Cuando me quedaba horas viendo a mis amigos ensayar.  Fue cuando me quedé sin grupo, cuando me enamoré y decidí quedarme en un grupo, cuando me di cuenta que tenía muchas cosas más que decir y decidí hacer mi propio grupo, cuando me quedé otra vez sólo y decidí morir en el intento y sigo aquí.  Hoy veo a tantos como yo, algunos más locos, nivel: Dios por el teatro, que me hace pensar que éste es mi camino.  Ahora hay algo escalofriante, se dice que en realidad la puerta es la que elige, no el hombre.  Esto te agarra o te deja.

¿Qué opinas del teatro que se hace y se presenta en Cochabamba?

Creo que somos una generación de la que se hablará mucho en el futuro.  Para hacer un ensayo de cómo se hablaría creo que se dirá: ¿Te acuerdas cuando en Cocha había una obra al mes?, ¿te acuerdas, cuando los “cositos” y los “estitos”, empezaron? ¿Te acuerdas de “la doñita” esa, te acuerdas “del cuatecito” ese y de “la chica” aquella que puteaba a todos? eran nada cuando empezaron, ¿te acuerdas lo que hicieron, te acuerdas quienes han salido de ahí, te acuerdas de sus obras? Había de todo, sí, incluso habían obras interesantes, yo no entendía nada, pero eran interesantes, y algunas una verdadera mierda.  ¿Te acuerdas de sus peleas, de todos sus miramientos? Claro cada panadero alaba su pan.  ¿Te acuerdas como han seguido, te acuerdas el Achá con ocho espectadores? Los súper montajes pero nadie iba  ¿Te acuerdas de los que se fueron, te acuerdas de los que se quedaron, te acuerdas como han aprendido?, de la nada han aprendido.  ¿Te acuerdas del Achá platea llena, te acuerdas de los talleres, te acuerdas como han vuelto a empezar, te acuerdas de los mejores? jajajajja, los mejores, una mierda eran los mejores, los mejores eran otros en realidad, ¿te acuerdas el Adela Zamudio reventando? ¿Te acuerdas cuando se han deshecho los grupos, te acuerdas cuando se han empezado a mezclar?, no habían sido tan giles.  ¿Te acuerdas como se criticaban, te acuerdas que por puro amor se han abierto nuevos grupos, y por puro desamor han muerto grupos?  ¿Te acuerdas tanta gente sin saber dónde ir? ¿Te acuerdas cuando han empezado a escribir? finalmente obras propias, producción a full, todo a pérdida, pero sin abandonar y a full ¿Te acuerdas, el Adela, el Achá, el mARTadero, la Alianza, el Laredo, el Teatro al Aire Libre, Patiño, el CCI, a full con presentaciones?  Generación de mierda era esa.  ¿Y ahora? ahora nos toca a nosotros, ellos ya están viejos, y viejas.  Igual las cosas no han cambiado mucho, sólo se han mantenido vivas.  Tú sabes cumpa, la gente de teatro sólo tiene una oportunidad en esta vida.  ¿Te acuerdas de las “vacas sagradas”? Ahora les toca a ellos.

 ¿Qué ha representado para Alejandro Marañón, este 2018, festejar un año más el Día Internacional del Teatro?

Es recordar mi profesión con muchas preguntas, preguntas como  ¿en realidad qué significa este día?, ¿qué significa para la gente este día?, ¿qué significa para Bolivia este día, o para Cochabamba, qué significa?  Más allá del grito ¡Viva el teatro! es preguntarse ¿a quién le estoy diciendo esto, a mí, a la gente? Y ¿por qué? ¿para qué? ¿Para que esto no muera, para que sea parte de sus vidas?, ¿para que esto no deje de ser parte de mi vida? ¿Por qué y hacia dónde va este día?  Y de pronto caigo en una de las trampas del teatro, preguntarse.  No hay que preguntarse, hay que hacer, preguntarse demasiado jode, hay que hacerlo y ya.  “Hazlo”, decimos en los ensayos, “no lo pienses”, “no se piensa”, “se hace”.  Entonces como mal actor me pregunto todo esto pero como chico que quiere aprender dejo de pensar un poquito y me pongo a hacer.  Todo ese día ha representado hacer de buen actor, es decir planear ensayos, pensar en la siguiente obra, negociar con el espacio, revisar el texto, ensayar y repetir y repetir y repetir hasta el agotamiento, promocionar el evento, buscar fotos, escribir a los actores, putear a los actores, reconciliarse con los actores, en fin.  Por ultimo significó tristeza porque a pesar de todo lo que uno hace, pasa este día, sales a la calle y el teatro es apenas un murmullo. 

¿El estado de cosas en este campo ha mejorado en los últimos años?

Regularmente, en Cochabamba, pasan meses sin estrenarse una obra o sin presentaciones y de haberlas pasan meses en los que las salas de teatro están casi vacías.  Sin embargo, creo que los grupos estamos madurando, hay más presencia de compañías, grupos, colectivos que están preocupados por esta situación, lo cual está muy bien, pero los vacíos no desaparecen, curiosamente.

¿Qué crítica harías si es que hay que hacerla?

Todavía se siente una apatía de nuestro propio gremio a nuestro gremio mismo.  Siempre criticamos a las autoridades pero entre nosotros mismos no nos entendemos, nadie cree en nadie. Y con eso las autoridades no creen en nosotros mismos porque que nosotros no creemos en esto mismo que decimos creer, pero no porque no lo creamos si no porque no creen, ellos, los otros no creen, en lo que yo creo y yo quiero creer o crear.  Al final la cosa se enreda y la culpa es de nadie y todo termina en nada.  Falta entendernos, mejorar la comunicación y trabajar juntos, no revueltos.  

Si tuvieras poder político para mejorar la cultura en Cochabamba, específicamente ¿qué harías?

Escuchar.  Usaría todo mi poder para hacerlo, compraría tiempo, alquilaría espacios, pagaría cinco secretarias para coordinar todos los minutos del día, agendaría horas y horas para escuchar, me haría un lavado de orejas, me daría una ducha fría y me sentaría a escuchar hasta que anochezca y como todo poderoso robaría y robaría descaradamente más tiempo para escuchar a todos los teatreros, danzarines, músicos, pintores, escultores, a los matemáticos, porque también hacen cultura, etcétera.  ¿Y para que escuchar tanto? para aprender, finalmente aprender y no suponer que por ser poderoso entiendo el movimiento cultural de esta jodida tierra por la gracia de Dios.  La idea es aprender algo de lo que soy un completo ignorante, la idea es escuchar y responder.

Fernando Arze Echalar: Escribir, un placer y un reto enorme

El reconocido actor paceño Fernando Arze Echalar estará en Cochabamba en estos días para dictar el taller de teatro “Buscando tu Sensualidad Escénica”, que se realizará entre el sábado 24 y el lunes 26 de marzo. Este es el primer taller que dicta este 2018 en Cochabamba y tiene el objetivo de enseñar a los participantes herramientas para explorar el uso de su "energía escénica", apartándose de su ser "cotidiano" (mayores informes en los números 70754477 y 67770970).

El taller, que tiene un costo de Bs. 250,  está dirigido a actores, actrices, bailarines y personas interesadas o apasionadas por las artes escénicas, y en sus tres días de duración se trabajará, “de forma muy personal y detallada, la expansión de la energía sensual escénica de cada alumno”. Este taller, dice Fernando, “pretende guiar al artista por un viaje personal para llegar a un resultado colectivo que sea contagioso, respetuoso e incisivo. ¿Cuán cómodo está el artista escénico con su cuerpo o en utilizar su sensualidad en escena? Este taller trabajará precisamente el expandir los límites y romper barreras mentales que el artista escénico pueda tener, en relación a este tema”, dice.

 

“En los tres días del taller –explica el actor– quiero que cada alumno pueda explorar, primero solo, sola, su energía sensual escénica, que a veces se encuentra un poco apagada o tímida en el momento de presentarse. El taller es un viaje muy personal, energético y de autoconocimiento escénico. Quiero dar herramientas para que los alumnos practiquen hacerlo en el futuro”.

La siguiente es una entrevista virtual lograda por Plaza Catorce, para conocer las películas que se estrenan este 2018 y en las que Arze Echalar actúa (en "El Río" y "La Entrega" es el protagonista), además de los proyectos de teatro en los que trabaja.

¿En qué películas veremos a Fernando Arze Echalar este 2018?

Este año es un año muy especial para mí porque, finalmente, saldrán por los menos tres proyectos audiovisuales en los que he tenido el placer de participar como actor. Uno titula “El Río”, largometraje dirigido por Juan Pablo Richter, que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Miami, hace una semana. Luego a mediados de año estará listo el largometraje “Fuertes”, filmado en La Paz, Sucre y Cochabamba, dirigido por Óscar Salazar, en el que actúo y también fui director de casting. Y, finalmente, la serie “La Entrega”, en la que actúo y donde también fui responsable del casting y co-guionista junto a Camila Urioste y Gory Patiño, que dirige la serie. “La Entrega”, especialmente, fue un esfuerzo descomunal no solamente durante la producción ya que son 10 capítulos, lo que equivale a 5 largometrajes; pero también ahora, en el proceso de post producción de “La Entrega” se está buscando la mejor tecnología para terminar el producto de forma que sea competitivo dentro de la industria, y entretenido para el público. La producción está siendo liderada por Leonel Fransezze y Claudia Gaensel, que son los pulmones y los músculos de este proyecto tan grande.

¿Qué adelantos nos puede dar de estas tres producciones en las que lo veremos actuar?

“El Río” es un film de autor, escrito por el director, que cuenta la historia de un post-adolescente que, obligado por su madre, va al Beni a conocer a su padre. Yo vivo el papel del padre, un “camba-colla” que, a pesar de su manera relativamente extrovertida de ser, es una persona un tanto dura con sus familiares, es machista y solitario. La película habla precisamente sobre el machismo y está situada en lugares preciosos del Beni, entre ellos, las afueras de Trinidad y Rurrenabaque.

“Fuertes” es una película sobre un equipo de fútbol en los años 30 del siglo pasado, que, como institución, decide entrar a la Guerra del Chaco. Es una película que sigue le historia de un muchacho cuyo sueño de ser futbolista es interrumpido por el inicio de la guerra.

La serie “La Entrega” tiene como temática principal la desaparición de una niña de 13 años y cómo este evento afecta a cuatro personajes protagónicos: la madre de la niña, un periodista, un minibusero y una sobreviviente de trata y tráfico.

En teatro el año pasado estuvo con varias producciones. ¿Qué habrá este año en este campo?

En 2018 quiero terminar una trilogía de comedias que quiero dirigir y escribir. Empezamos con la obra “7 Menús” que es una adaptación de varias obras cortas internacionales, y que tuvo tremendo éxito en La Paz. Volteamos taquilla en dos temporadas. Estoy tratando de negociar con espacios en Cochabamba para prestarle ahí, y ya tenemos fechas para Santa Cruz. Luego queremos llevarla a otras ciudades de Bolivia.

A mediados de año quiero presentar la segunda obra y a fines de año la tercera. La segunda será una adaptación de una película americana, y la tercera será un texto mío.

¿Qué trabajos tiene para este 2018?

Este año me propuse a dar más talleres. El año pasado no pude hacerlo mucho, precisamente porque mi agenda estaba a full con rodajes y producciones teatrales, pero este año quiero dedicarme a compartir lo que he aprendido. Aparte de eso, quiero escribir. Escribir se ha vuelto un placer y un reto enorme para mí, y he tenido la oportunidad de trabajar con grandes escritores y guionistas bolivianos en los últimos dos años, con quienes he aprendido un montón. Aparte de las tres obras que quiero estrenar este año, quiero terminar una obra de teatro que empecé escribiendo en una residencia artística en la que participé en Italia, hace un año atrás. Quiero terminar ese proyecto, además de filmar mi primer cortometraje como director y guionista de cine en Bolivia. También estoy involucrado, como actor, en un proyecto de un joven director de Santa Cruz, Ale Quiroga, que se filmará en Tarija en 2019… Así que el año será bastante ocupado.

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