"Ratas" de Freddy Chipana, reflexión de la vida desde las alcantarillas

Por Mauricio Aliaga (*)

Escurridizas, hambrientas y marginadas son las ratas que esta obra retrata. Escurridizas del poder omnipotente de los dioses gatos que buscan exterminar su movimiento a toda costa. Hambrientas de comida y del recuerdo familiar que persigue a las fugitivas. Marginadas a una vida de miseria en las alcantarillas de la indiferencia y la agonía de la clandestinidad. De esta manera es como el actor y dramaturgo Freddy Chipana desarrolla la obra “Ratas”, presentada el pasado 16 y 17 de marzo en el circo El Tapeque de la ciudad de Cochabamba.

Un monólogo de aproximadamente 55 minutos en el que una rata interpretada por Freddy Chipana, interactúa y da vida a diferentes elementos que se convierten en personajes. “Cada personaje puede ser un símbolo o una excusa para hablar y esto me ayuda a contar la historia. (Los elementos del escenario) de alguna manera me permite jugar con el humor, el drama, la tristeza y lleva al espectador a experimentar distintas emociones desde la comedia hasta el drama”, dice Chipana. 

Una obra que en apariencia habla sobre los desaparecidos y torturados durante la época de las dictaduras militares en América Latina. El Director de Altoteatro menciona que “en el fondo hablamos de la vida; de lo vital que es tener una responsabilidad con la libertad y con la paz”. Chipana asegura que estos valores deberían convertirse en un bien común y una necesidad para que todos los seres vivos en esta tierra sean felices. “Se debería respetar la vida del otro, pero ahora a quien es frágil siempre se lo comen”, reflexiona el actor paceño.

El espectáculo transcurre entre la pelea entre las ratas y los dioses gatos, entre los privilegiados y los que viven en la alcantarilla. Freddy dice: “mucha gente se conforma en esas alcantarillas y no quiere salir de esos agujeros porque ve que es un fracaso; nosotros vemos que a pesar del fracaso, en la vida rota nos atrevamos a vivir de manera digna, luchando por aquello que es vital; tenemos tantos infiernos que solo necesitamos caminar hacia adelante y subir”.

La puesta en escena también reflexiona, como dice su creador, sobre los grandes éxodos que está viviendo la humanidad actualmente. “Vemos que la gente está huyendo de sus países. Miles y miles (de personas escapan) como en el caso de Venezuela, Nicaragua; países de Centroamérica o en Medio Oriente”, asegura el artista.

El actor demuestra en el escenario alegría, pasión, ira, añoranza, rebeldía, esperanza, nostalgia, agonía, tristeza y otras emociones que son compartidas con el público gracias a la excelente combinación de elementos escénicos como luces, proyecciones, sonidos, burbujas, vestuario y maquillaje. Una obra que mantiene al espectador al filo del asiento por la carga emocional que transmite al público.

Uno de los personajes con el que interactúa la rata es Roquefore, un queso fino insertado en una ratonera. Este queso representa para Chipana “algo donde (la rata) va a ir a morir, lo que le va a matar, el deseo”. Freddy explica que a veces los seres humanos nos aferramos a un amor, a una fe o a algo y no somos libres. “A veces, también aquello que amamos nos mata”, dice cuando se le pregunta por el significado de tan singular utilería.

“Ratas” es un texto escrito y montado por la compañía Altoteatro de la ciudad de La Paz, a la cabeza de Chipana. Esta obra fue estrenada en enero de 2019 en el marco del XXI Festival Internacional de Teatro  en Zicosur y Antofagasta (FITZA). Chipana recuerda que era un espacio de la memoria porque había varias familias sobrevivientes a las dictaduras militares en ese país. Posteriormente presentaron la obra en la ciudad de Santa Cruz y este fin de semana pasado en Cochabamba  fue la tercera presentación. Freddy anuncia que esta obra continuará con sus funciones en la ciudad de La Paz, Sucre y Tarija, internacionalmente está previsto una temporada en Jujuy, Argentina.

Por el Día Mundial del Teatro.

Altoteatro anunció que para celebrar el Día Mundial del Teatro, el 27 de Marzo, en la ciudad de Tarija se prepara el estreno de la obra “Infinita Locura”. También por esos días estarán promocionando una batucada y el estreno de la obra “Monumentos”. Por esos días también en Santa Cruz se estrenará el espectáculo “Hambre”. Freddy mencionó también que, en Salvador de Jujuy, con el grupo Nueva Escena, estrenarán el espectáculo “Susurros de Ausencia”. “Vivimos viajando, este trabajo es de constante renovación, investigación y laboratorio en escena”, asegura Chipana.  

(*) El autor es estudiante de la carrera de Comunicación Social en la Universidad Mayor de San Simón.

Juan Argandoña: En busca de conquistas sociales para el teatro boliviano

Por Claudia Gonzales Yaksic (*)

El próximo 27 de Marzo se celebra el Día Mundial del Teatro y con el propósito de conocer mejor la situación de este gremio y de este arte en Cochabamba y en Bolivia entrevistamos a al actor, director y profesor de teatro Juan Gonzalo Argandoña Andrade, actual presidente del Instituto Boliviano de Arte (IBART). En una entrevista realizada dos semanas atrás en Cochabamba, el Jueves de Comadres y en medio de un terrible temporal, Juan Argandoña habló de algunos logros que se han conseguido en el campo teatral en los últimos años, siendo el más significativo la Certificación de Competencias Laborales, un beneficio otorgado por el Ministerio de Educación a los trabajadores de prácticamente todos los gremios. “El tema de la Certificación de Competencias Laborales viene a partir de una decisión del Ministerio de Educación, desde el 2009 más o menos, para poder mejorar la condición no solo de los artistas, porque está abierto a todos los ámbitos, desde zapateros, payasos, bandas de música, y obviamente los teatreros que nos hemos enterado el 2015”, explica Argandoña. Si bien esta Certificación de Competencias apareció el 2009, por falta de difusión la norma en algunos sectores se conoció años después como en el ámbito teatral que, según Argandoña, “casi de casualidad nos enteramos”. Según refiere, acceder a este beneficio para la gente que hace teatro no ha sido fácil porque la norma tenía un contorno político y estaba dirigida a grupos masivos “y el teatro no es un ámbito de gente masiva. Entonces, no cumplíamos con varios requisitos y eso ha supuesto tener que ir sorteando problemas, requerimientos y tardar casi tres años, pero al final se dio y logramos que la gente de teatro pueda acceder a esa certificación”. Esta Certificación, con sus altibajos, comenzó en 2016 en Cochabamba y luego se fue extendiendo por todos los departamentos. En Cochabamba más de 60 artistas recibieron su certificado, en La Paz más de 100, en Santa Cruz en una primera tanda casi 60 y luego unas 40. “En Potosí y Sucre estuvimos como con unas 50 personas. Imagino que haciendo un total pasan las 200 personas que se han podido certificar en todo Bolivia”. La gran mayoría de los certificados fueron otorgados a actores y actrices, otro pequeño grupo logró su certificación como directores y un grupo más reducido como dramaturgos. Pese al aparente significativo número de artistas de teatro que lograron su certificación, todavía quedan algunos que no lograron completar sus trámites. “Hay un grupo acá en Cochabamba que no ha logrado certificarse y piden que podamos abrir un nuevo grupo que se pueda certificar. Estamos en eso”, dice al respecto. “Para cerrar este tema del gremio –amplía Argandoña—el Viceministerio de Educación Permanente y Alternativa tiene contemplado otros espacios de formación. Nosotros hemos hecho dos que califican como técnicos básicos y esto está abalado por el Ministerio de Educación. Ahora, se han flexibilizado las condiciones y nos permiten hacer cursos cortos para obtener un técnico medio, pero abalados por el Ministerio y certificados por el Ministerio a través de la Dirección Distrital de Educación. Ya hemos hecho dos cursos cortos de un mes de duración cada uno y este año vamos a difundir aún más para tener una mayor cobertura. Se va coordinar con el profesor Jhonny Rivera del Distrito Escolar y vamos a trabajar con el Centro de Educación Permanente Jaihuayco (CEPJA) y con la Federación de Maestros, cosa de que esto pueda ampliarse y conducirnos  a la creación de públicos que tanto buscamos. Eso nos va acercar y tenemos para largo”, asegura.

UN URGENTE ENCUENTRO NACIONAL

Por otra parte, Juan Argandoña adelanta que para el Día Mundial del Teatro, trabajan en el lanzamiento de una convocatoria que involucre a todo el gremio del teatro boliviano con miras a desarrollar un encuentro en el que se trabaje para conseguir beneficios en diferentes ámbitos. “Estamos viendo los tremendos problemas por los que atraviesa un artista, vemos avances en otros rubros, en la gente que hace pintura, en los músicos que ya tienen un seguro y obviamente creo que hay necesidad de armar un espacio donde podamos estar la gente que hace teatro. Ese tema ha sido totalmente descuidado porque nos quedamos en la parte de montar espectáculos, crear espacios de formación, etcétera, pero hemos descuidado la parte social, del tema del trabajo, el tema del seguro, de la salud, etcétera y creo que hay urgente necesidad de abordar el tema, pero no a nivel local sino esto implica todo un esfuerzo nacional”.

Esta ambiciosa tarea, sin embargo, aparentemente no resultará fácil porque existen varias organizaciones y colectivos que de pronto no puedan lograr llegar a un acuerdo. “El problema es que hay departamentos que son tremendamente conflictivos como La Paz por ejemplo. En La Paz tenemos la gente que está en torno a Guido Arce, que trabajan con el Ministerio y que lograron avanzar efectivamente en el tema de educación superior artística: ya se cuentan con mallas curriculares a nivel nacional con su respectiva reglamentación. Tenemos otro grupo donde están los freelance que hacen teatro contemporáneo como Grito, el Bunker, Fernando Arze y muchos más y en El Alto tenemos toda una generación nueva de gente de teatro que habla otro lenguaje teatral como Alto Teatro, Tabla Roja, Teatro Trono y varios otros. Lograr que los tres se sienten en torno a una mesa es complicado”, sentencia el presidente de IBART.

“En Santa Cruz –dice Argandoña—más o menos que hay como dos bandos, los que hacen teatro muy artístico o teatro de sala y los que hacen teatro popular, teatro educativo, en ambos lados hay mucha gente de teatro, con ellos tenemos abierta la posibilidad, estamos discutiendo; los demás departamentos son más fáciles. En Oruro hay unidad de criterios, nuestras relaciones son muy fluidas, con Potosí y Sucre también. Con Tarija mantenemos el diálogo, entonces vamos a lograr hacer el intento, no sé en qué acabará, pero sí vamos a convocar a la gente que es más representativa”.

Argandoña insiste en que en este posible encuentro lo ideal es que no prevalezcan las siglas de IBART,  ABDA (Asociación Boliviana de Actores) o ASATT (Asociación de Actores y Actrices de Teatro), sino que se trabaje únicamente como “la gente que hace teatro, directores, actores, gestores y entre todos veremos hasta dónde podemos llegar”.

“Oficialmente esto no se ha planteado –aclara Juan Argandoña—, lo que vamos a ver es cuál va ser la estrategia. Estamos pensando que ojalá podamos lanzar la convocatoria el 27 de Marzo que es el Día Mundial del Teatro y el evento hacerlo en abril, obviamente acá intentaríamos conseguir un espacio donde lleguen para dormir mínimamente y ver con la universidad si podemos lograr un apoyo en la parte de alimentación”.

FINANCIAMIENTO Y SEGURO SOCIAL

En esta posible reunión, Argandoña dice que se buscarán propuestas en los ámbitos laboral, económico y de salud. “Lo que vamos a buscar son propuestas. Algunos sectores han avanzado, creo que en Santa Cruz tenían algo del tema del seguro de salud y en Tarija también ya hay algunas experiencias aisladas que podríamos intentar que sean de una cobertura mayor”, dice y agrega que también necesitarán asesoramiento legal. “Tal vez plantear un proyecto para captar ingresos a través de impuestos y de grabar algún otro rubro de lo que llaman los productos suntuarios. En fin, ver posibilidades y empezar a discutir”.

Respecto al financiamiento, un tema recurrente y poco atendido en el ámbito cultural, Argandoña dice que también se discutiría en esta reunión la posibilidad de recurrir a financiamiento externo ya que, en Europa por ejemplo, “sabemos que hay gente que puede respaldar iniciativas comunitarias. Tenemos que barajar todas las posibilidades, empezar a hacer algo”.

Respecto a la posibilidad de recurrir al Estado en busca de apoyo para el sector, Argandoña dice que “para tocar las puertas del Estado, del Gobierno, necesitamos tener una propuesta que sea viable, porque si solo vamos a ir a pedir no nos van a dar. Hay que ir con propuestas claras, requerimos por ejemplo el asesoramiento de un economista que entienda de macroeconomía para saber en dónde hay recursos que podemos captar sin alterar los presupuestos departamentales”.

“Los artistas por sí solos no lo vamos a lograr, vamos a requerir armar un staff legal de economistas, asesores legales”, insiste.

LEY DEL ARTISTA Y CONSEJOS DE CULTURAS

Sobre la Ley del Artista, un proyecto que se ventila hace varios años sin resultados, Argandoña dice que esta normativa continúa en discusión y que, más bien, en Cochabamba se están haciendo esfuerzos en lograr que se promulgue una ley departamental. “Ha sido muy satisfactorio ver que en Sucre ya la han aprobado no hace mucho”. Sobre el tema, dice que en Cochabamba existen reuniones “impulsadas fundamentalmente por el mARTdero y telArtes a los cuales nos sumamos otras organizaciones pero que sin embargo, todas estas instituciones no tienen la fuerza legal que se necesita para lograr ciertos objetivos. Lo que nos preocupa es que las instancias legales no están funcionando, el mARTadero, telArtes, IBART y la mismo ABAP (Asociación Boliviana de Artistas Plásticos) no tienen la fuerza legal, fuerza legal que sí tiene el Consejo Departamental de Culturas. Eso está refrendado por todo un decreto que no funciona. Es una instancia legal de la que deberíamos aprovechar para darle fuerza porque tiene todo el instrumento legal en las manos”.

Juan Argandoña también dice que en el campo legal se debería operativizar el Consejo Ciudadano de Culturas, instancia dependiente de la Alcaldía. “El Consejo Ciudadano de Culturas se ha creado con una ordenanza, pero que nunca se lo ha ejecutado y está ahí, es legal; es una ordenanza vigente porque no se la ha remplazado y no se la ha derogado, es un espacio legal con poder legal como para poder ser interlocutor con la parte institucional”.

Para trabajar sobre este tema, Argandoña Andrade dice que el sector trata de lograr acuerdos con la Oficialía Mayor de Cultura de la Alcaldía desde la gestión de Ninoska Lazarte (2015-2017) e incluso con la penúltima oficial, Roxana Neri (2017-2019), pero que todo quedó en compromisos. “El tema cultural ha quedado totalmente descuidado, y ahora con la nueva oficial, Cinthia Rodríguez, yo he tenido una charla con ella y en una primera reunión obviamente lo que siempre pasa es la buena intención, pero no la conocemos, no sabemos cuál es su perfil, no tenemos idea de si maneja o no estrategias, si maneja políticas culturales. Ella es muy amable, muy educada, pero veremos en qué queda”.

(*) La autora es Periodista.

Rumbo al Día Mundial del Teatro

Por Mauricio Aliaga (*)

El escenario está esperando a que lo habiten. El público atento a ver lo que se presentará durante los próximos minutos. Tras bambalinas, los transportadores de magia están concentrados, preparando una función más. Efímeros y eternos son los minutos durante los cuales actores y público se entregan al deleite del arte teatral.

Esta manera de expresión es tan antigua como el hombre mismo. Etimológicamente la palabra Teatro viene de la palabra griega theatrón que significa “Lugar o sitio para la contemplación”. Desde sus orígenes, la idea básica del teatro es que los actores y actrices cuenten una historia mediante el canto, gestualidad, música y escenario.

El teatro como práctica comenzó como un ritual. El portal Web Curiosaesfera escribe: “los primeros indicios del origen del teatro, se encuentran en las primitivas ceremonias y rituales relacionados con la caza". Indica que estos rituales se realizaban como una manera de agradecimiento por la caza durante la noche alrededor de fogatas donde los homínidos representaban a los animales capturados con música de tambores, canciones y disfraces.

El primer registro documentado que se tiene sobre el nacimiento del teatro fue en la antigua Grecia. En Atenas celebraban al dios del vino Dionisio con diferente tipo de ritos.

En 1961 se decretó el dedicarle un día específico para conmemorar a toda la comunidad que disfruta con este arte y así nació El Día Mundial del Teatro (DMT) celebrado el 27 de marzo del año. Este nombramiento fue promovido y motivado por el Instituto Internacional del Teatro (ITI) con el apoyo de la UNESCO.

El ITI es la organización artística más grande del mundo. Se creó en 1948 por artistas, expertos teatrales y la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO, por su sigla en inglés). La ITI es actualmente la organización sin fines de lucro que se encarga de nombrar a la personalidad quien llevará a cabo el acto central de esta celebración.

Ya es una costumbre que el 27 de Marzo en todos los países que celebran el DMT se realice la lectura del Manifiesto del Teatro. Este año el responsable de escribir el manifiesto es el dramaturgo y director cubano, Carlos Celdrán. La lectura de este manifiesto es la esencia de esta celebración por su alcance y repercusión.

Carlos Celdrán

Por primera vez desde 1961 que la ITI ha nombrado a un cubano para para llevar un mensaje de paz para todos los teatreros. Carlos Celdrán es un destacado director teatral, dramaturgo y pedagogo. Nació en 23 de septiembre de 1963 y en 1996 fundó la compañía Argos Teatro.

La obra de Celdrán analiza a su sociedad cubana y su desarrollo contextual, además del tiempo, la esperanza, las frustraciones, el amor que espera y la pérdida. El portal web CubaNew indica que el teatro creado por este reconocido personaje es la evidencia de un arte comprometido con su época en todas las dimensiones.   

“La elección de Celdrán es el reconocimiento a un dramaturgo y director que ha diseccionado con sus puestas en escena la evolución de la sociedad cubana, sus desgarramientos, sus síntomas de fe y sus conflictos que han permanecido en el tiempo”, dice el citado medio de comunicación.

El Mensaje de Carlos Celdrán

Antes de mi despertar en el teatro, mis maestros ya estaban allí. Habían construido sus casas y sus poéticas sobre los restos de sus propias vidas. Muchos de ellos no son conocidos o apenas se les recuerda: trabajaron desde el silencio, desde la humildad de sus salones de ensayo y de sus salas llenas de espectadores y, lentamente, tras años de trabajo y logros extraordinarios, fueron dejando su sitio y desparecieron. Cuando entendí que mi oficio y mi destino personal sería seguir sus pasos, entendí también que heredaba de ellos esa tradición desgarradora y única de vivir el presente sin otra expectativa que alcanzar la transparencia de un momento irrepetible. Un momento de encuentro con el otro en la oscuridad de un teatro, sin más protección que la verdad de un gesto, de una palabra reveladora.

Mi país teatral son esos momentos de encuentro con los espectadores que llegan noche a noche a nuestra sala, desde los rincones más disímiles de mi ciudad, para acompañarnos y compartir unas horas, unos minutos. Con esos momentos únicos construyo mi vida, dejo de ser yo, de sufrir por mí mismo y renazco y entiendo el significado del oficio de hacer teatro: vivir instantes de pura verdad efímera, donde sabemos que lo que decimos y hacemos, allí, bajo la luz de la escena, es cierto y refleja lo más profundo y lo más personal de nosotros. Mi país teatral, el mío y el de mis actores, es un país tejido por esos momentos donde dejamos atrás las máscaras, la retórica, el miedo a ser quienes somos, y nos damos las manos en la oscuridad.

La tradición del teatro es horizontal. No hay quien pueda afirmar que el teatro está en algún centro del mundo, en alguna ciudad o edificio privilegiado. El teatro, como yo lo he recibido, se extiende por una geografía invisible que mezcla las vidas de quienes lo hacen y la artesanía teatral en un mismo gesto unificador. Todos los maestros de teatro mueren con sus momentos de lucidez y de belleza irrepetibles, todos desaparecen del mismo modo sin dejar otra trascendencia que los ampare y los haga ilustres. Los maestros de teatro lo saben, no vale ningún reconocimiento ante esta certeza que es la raíz de nuestro trabajo: crear momentos de verdad, de ambigüedad, de fuerza, de libertad en la mayor de las precariedades. No sobrevivirán de ellos sino datos o registros de sus trabajos en videos y fotos que recogerán solo una pálida idea de lo que hicieron. Pero siempre faltará en esos registros la respuesta silenciosa del público que entiende en un instante que lo que allí pasa no puede ser traducido ni encontrado fuera, que la verdad que allí comparte es una experiencia de vida, por segundos más diáfana que la vida misma.

Cuando entendí que el teatro era un país en sí mismo, un gran territorio que abarca el mundo entero, nació en mí una decisión que también es una libertad: no tienes que alejarte ni moverte de donde te encuentras, no tienes que correr ni desplazarte. Allí donde existes está el público. Allí están los compañeros que necesitas a tu lado. Allá, fuera de tu casa, tienes toda la realidad diaria, opaca e impenetrable. Trabajas entonces desde esa inmovilidad aparente para construir el mayor de los viajes, para repetir la Odisea, el viaje de los argonautas: eres un viajero inmóvil que no para de acelerar la densidad y la rigidez de tu mundo real. Tu viaje es hacia el instante, hacia el momento, hacia el encuentro irrepetible frente a tus semejantes. Tu viaje es hacia ellos, hacia su corazón, hacia su subjetividad. Viajas por dentro de ellos, de sus emociones, de sus recuerdos que despiertas y movilizas. Tu viaje es vertiginoso y nadie puede medirlo ni callarlo. Tampoco nadie lo podrá reconocer en su justa medida, es un viaje a través del imaginario de tu gente, una semilla que se siembra en la más remota de las tierras: la conciencia cívica, ética y humana de tus espectadores. Por ello, no me muevo, continúo en mi casa, entre mis allegados, en aparente quietud, trabajando día y noche, porque tengo el secreto de la velocidad.

(Tomado de https://www.redescena.net)

Día Mundial del Teatro en Cochabamba

Nuestra ciudad no se queda al margen de esta fiesta. Desde el año 2013 distintos grupos artísticos se reúnen bajo una misma consigna, festejar este día homenajeando a las artes. La iniciativa promovida primigeniamente por el actor Raymundo Ramos ha sido apoyada con el paso del tiempo por distintos grupos de larga trayectoria, pero esa es otra historia que se la contaremos en la siguiente publicación. Estén atentos a la próxima nota para saber más sobre el Dia Mundial del Teatro en Bolivia.

(*) El autor es estudiante de la carrera de Comunicación Social en la Universidad Mayor de San Simón.

"Agrio", el cruel vía crucis del sistema de salud

Por Mauricio Aliaga (*)

Cruel es la vida, cruel es la muerte. Cruel es este vía crucis que comienza con un llanto y puede terminar en la cama de un hospital. Cruel es el dolor físico de un enfermo y aún más cruel es la agonía que acompaña a las familias, quienes deben pagar la mayor parte de los platos rotos. Crueldad es lo que transmite la obra de teatro “Agrio” escrita y dirigida por el cochabambino Raymundo Ramos y que visibiliza de una manera muy compleja, pero acertada, las falencias de un sistema médico condicionado por la vida moderna.

Esta obra de teatro que fue estrenada el 8 de diciembre del 2018, se presentó nuevamente en el circo El Tapeque este 22 y 23 de febrero y contó con asistencia completa del público los dos días de presentación.

MOVIMIENTO DE LA CRUELDAD

El teatro de la crueldad fue un movimiento creado por Antonin Artaud, el escritor, poeta, dramaturgo y dibujante francés que nació en 1896. Hombre atormentado e iluminado por el dolor, las drogas y la locura, Artaud es considerado por los expertos como uno de los grandes malditos del arte. Formó su leyenda a partir de sus libros donde explica la carencia del teatro moderno y la importancia de formar un teatro que sea de impacto.

Bautizó su obra como “Teatro de la crueldad” porque deseaba un teatro creado a partir de una inacabable sucesión de violentas imágenes escénicas, provocando tan poderosas e inmediatas explosiones de humanidad para que el espectador dejara caer todas sus defensas, para que se dejara perforar, sacudir, sobrecoger y, al mismo tiempo, pudiera colmarse de una poderosa y nueva carga de comprensión de la realidad, o simplemente pueda verla de otra manera.

“No uso el término crueldad para referirme a la sangre, el sadismo o el terror. La crueldad es usada como una violenta determinación para destrozar la falsa realidad y describir la esencia misma de la existencia humana”, explica el filósofo Ruzickaw en su canal de YouTube. Él dice que: “Todo arte verdadero debe encarnar e intensificar las brutalidades subyacentes de la vida para renovarse perpetuamente”. En ese sentido, Ruzickaw entiende a Artaud por medio de la unión entre conciencia y crueldad. “No hay crueldad sin conciencia, porque la conciencia da el matiz cruel, la vida en sí es cruel porque implica la muerte. Es el deseo de vivir, el torbellino de vida”.

Este estilo de teatro pretende que el espectador sea consciente de la violencia que domina las fuerzas de la naturaleza y también el interior del ser humano. Para lograr esto, Artaud advierte la importancia de la fusión entre el actor y el director, mostrando a un solo creador. Para trasmitir estas sensaciones, Artaud también propone un teatro basado en el gesto, la danza, el movimiento corporal, la escenografía, las luces, el sonido, la temperatura y otros factores que envuelvan más al público y lo aleje de las ataduras mentales que le impiden ingresar al mensaje con una perspectiva real hacia la crueldad. En su tiempo, para Artaud el teatro se habría apartado de la realidad y lo que se buscaba era retomar el sentido de la vida por medio de lo cruel y grotesco. “El cine nos asesina con imágenes de segunda mano filtradas por una máquina y que no pueden alcanzar nuestra sensibilidad total. Necesitamos un teatro que tenga en nosotros un eco profundo que trastorne todos los preconceptos y que afecte como una terapia, llevando una crueldad extrema para renovarse”, dice Ruzickaw.

“­AGRIO” DE RAYMUNDO RAMOS

Una enfermera de aspecto grotesco da la bienvenida al público en la puerta del circo El Tapeque. Al ingresar se observa un cubículo que acoge en el centro a una persona que está colgando en posición fetal con la ayuda de vendajes. En este cubículo, llamado la “Chacana”, también impresionan los detalles médicos que cuelgan alrededor del personaje Agrio; sueros, tubos, jeringas, guantes, cadenas, redes y vendas son algunos de los elementos con los que Raymundo transporta, por medio de está “Chacana”, al hospital, la morgue y al inframundo.

“Esta estructura tardó medio año en construirse desde el diseño. Ha sido difícil conseguir cerrajeros que se animen soldar las partes que la conforman”, comenta Ramos y menciona que el nombre de esta estructura (la Chacana) permite tener un personaje colgado, un personaje en el techo y a otros personajes en la parte posterior que juegan con las sombras. Su diseño tiene la intención de poder llevar al espectador a nuevas espacialidades.

Los personajes tienen una carga de impresionismo muy importante, Danilo Quezada, quien hace el papel de 1A y representa todo el sistema médico, tiene la apariencia de un carnicero lunático. El actor comenta que para lograr personificar este papel intentó darle matices grotescos. “Es un personaje que lleva y se deja llevar por el sistema (médico), por más que muestre un poco de humanidad, el sistema termina corrompiéndolo”, dice Quezada.

El sonido en esta obra es fundamental. Chirridos referencian shocks eléctricos que recibe Agrio en medio de una agonía que parece estar lejos de acabar y mientras el paciente sufre, la enfermera toma datos con la apariencia de una cotidianidad que asusta, sin inmutarse ni sentir lástima por la persona que se retuerce de dolor en el centro del escenario.

Esta obra, precisamente por su crueldad, sorprendió a los asistentes los dos días de su presentación en El Tapeque. Alfonso Terán, uno de los espectadores, enfatizaba en la versatilidad de los actores para utilizar los espacios existentes. Aunque habrá que decir también que existieron partes de la obra donde se notaba una falta de modulación para pronunciar partes del texto.

La presentación del día sábado fue especial para el grupo RroRro Circo Variette, pues despedían a Danilo Quezada quien anunció que parte a la ciudad de Santa Cruz para profesionalizar su actividad actoral en la Escuela Nacional de Teatro. Quezada dijo: “Hay que luchar por un teatro profesional, sino las cosas no avanzan, ser más competentes, tener suficientes herramientas para aportar al teatro nacional”.

SOBRE EL DIRECTOR

“Un hombre de subsuelo puede vivir 40 años en silencio, pero el día que deja de silenciar, no hay quien lo pare. Yo puedo vivir 40 años silenciado, pero el día que hable, voy a ir con fuerza voy a hacer un teatro que realmente haga reflexionar sobre nuestra realidad”, dice Raymundo Ramos, uno de los mejores actores cochabambinos contemporáneos.

Él comenzó su carrera a los ocho años. Cuenta que, mientras trabajaba lavando autos en el cementerio general, tuvo su primer contacto con el mundo artístico. “Yo vengo de una realidad de rescate, de rescatar a los niños que están en situación de calle”, dice Raymundo Ramos Choque. Ramos ingresa a la Escuela Nacional de Teatro el 2008 en la ciudad de Santa Cruz y regresó a su ciudad natal el año 2012. Desde ese año, motivando a diferentes colectivos, fomenta y organiza, junto a otros colectivos y profesionales, la celebración en Cochabamba del Día Mundial del Teatro cada 27 de marzo. El 2016 ganó el premio al mejor actor en el Premio Nacional de Teatro Peter Travesí con la obra “Informe para una Academia”.

“Un hombre de subsuelo es el que valientemente trabaja para hacer escuchar su arte, para que su arte no esté contaminado. Es leal con sus convicciones, con su manera de pensar, con su mirada crítica de la sociedad y de la vida”, dice el artista quien el 2018 sufrió un accidente en la mandíbula que lo alejó de las tablas por un tiempo.

Ramos ha trabajado con niños y jóvenes de la calle, ha hecho teatro con una visión de un mundo mejor. “Nosotros aportamos a la transformación social, yo he trabajado con niños y jóvenes de manera predispuesta para que puedan crecer como artistas. Esa es mi convicción, mi misión”, sentencia.

Raymundo es fundador de la compañía artística RroRro Circo Variette que desarrolla el arte por medio de la música, los malabares, la pantomima, el performance y, por supuesto, el teatro. En la construcción de la obra “Agrio”, participaron, además, las siguientes personas:

Ficha Técnica

Escrita y dirigida por Raymundo Ramos

Asistencia Técnica: Liz A Zekas

Diseño Arquitectónico: Alejandro Bustamante

Maestros cerrajeros: Reynaldo Pérez Castelo y Rodrigo  Bonillas

Vestuario: Milen Copa

Diseño Gráfico: Yamil Escaffi

Fotografia: Sofia Orihuela

Actuaron: Raymundo Ramos Choque, Betzy Bueno Ticona, Danilo Quezada Jamachi, Jhesica Céspedes Heredia.

(*) El autor es estudiante de la carrera de Comunicación Social en la Universidad Mayor de San Simón.

Obra “Agrio” de Raymundo Ramos, una propuesta del teatro de la crueldad

Por Mauricio Aliaga

La compañía de teatro RroRro Circo Variette presenta el viernes 22 y sábado 23 de febrero desde las 20:00 la obra “Agrio”, escrita y dirigida por Raymundo Ramos. Una puesta en escena apta para mayores de 14 años por la temática con la que trabajan los artistas, quienes se presentarán en el circo El Tapeque, ubicado en la calle Colquiri y Circunvalación N° 355 (a media cuadra del surtidor Iffel).

Raymundo, quien fue ganador del galardón a “Mejor Actor” en el Premio Nacional de Teatro Peter Travesí del año 2016 con la obra “Informe para una academia”, ahora se aventura en esta nueva travesía presentando una puesta en escena inédita, donde protesta contra el sistema médico boliviano y la violencia que sufren los cuerpos vivos y muertos.

El actor y director explica que el embrión de esta obra nació por una experiencia ingrata que él sufrió al ingresar de emergencia al hospital, por una infección estomacal, hace dos años atrás. También dice que la obra se alimentó de los muchos testimonios que existen sobre la violencia que se ejerce contra el paciente, la mala praxis, el abuso de poder y de las experiencias de personas que buscan justicia ante la negligencia médica. Raymundo dice que “el teatro es una herramienta para visibilizar problemáticas que están sumergidas” en la cotidianeidad de los nosocomios.

Ramos explica que esta obra tiene influencia del francés Antonin Artaud quien, en los años 20 del siglo pasado, fue el creador del movimiento del teatro de la crueldad. “El mensaje en el teatro ya no tiene que entrar con suavidad, tiene que ser cruel, así como el amor, la vida y la muerte son crueles”, explica Raymundo.

Esta corriente teatral prioriza mucho la escenografía porque, como explica Ramos: “Se debe trabajar desde las entrañas” para lograr que el público sienta el significado de la trasgresión. El director comenta que además de jugar con el texto, los actores promoverán muchísimo el espacio utilizado por medio de la indumentaria, la musicalización y las luces, todo para lograr un mágico y cruel viaje entre el público asistente y el elenco.

Para esta presentación, estarán en escena Betzy Bueno Ticona, quien hace el papel de enfermera y representa la mala praxis en la medicina; el papel de doctor, representando a la institución médica, estará a cargo de Danilo Quezada Jamachi y Agrio, que personifica una víctima del sistema médico, será Raymundo Ramos Choque.

El circo El Tapeque abrirá sus puertas desde las 19:30 horas y la función comenzará a las 20:00. El costo de las entradas es de 30 bolivianos y ya están habilitadas las preventas para las dos funciones.

Programa cultural de Samay para este sábado 8 de diciembre

Por Plaza Catorce

La primera versión del festival “Samay un respiro cultural”, programado para este 8 de diciembre, contempla decenas de actividades gastronómicas, culturales y de estilo de vida para todas las edades que comenzarán a partir de las diez de la mañana y concluyen a media noche. Esta jornada, que ha sido organizada por la productora y gestora cultural Sofía Orihuela, como un agradecimiento a los 15 años que lleva trabajando en el ámbito cultural, nueve de ellos en Cochabamba, tendrá lugar en 15 espacios culturales alternativos que están repartidos por toda la ciudad de Cochabamba. La mayoría de estas actividades tienen el ingreso libre, pero en algunas se pide un aporte voluntario ya que la intensión es también es concienciar al público para que entienda que el arte y la cultura implican trabajo y esfuerzo.

“Estamos trabajando con un sistema de aporte voluntario, porque creemos que es importante que la gente sepa que sí existe un trabajo previo de los artistas, horas de ensayo… Es un trabajo el ser artista, así que se van  pasar unos sobres Samay donde la gente puede aportar lo que pueda, lo que quiera”, dice Sofía Orihuela.

COCINA, BELLEZA, TALLERES, STIKERS

La Tienda Nómada, ubicada en la avenida Ramón Rivero y calle T. Beltrán (una cuadra y media al este de la Oquendo), abrirá sus puertas a las 10:00 de la mañana con varias actividades de cocina, belleza y moda. Esta tienda fue creada con la filosofía de cuidado del medio ambiente, sustentabilidad y recuperación del valor humano; y está dedicada a la venta de artesanías, regalos y productos alimenticios naturales. Bajo esa línea comenzará con un espacio de degustación de sus productos y un taller de cocina navideña vegana a cargo de Nina. A las 11:00 habrá otro taller de rutina de limpieza facial y cuidado de la piel con productos de la línea Cacao y paralelamente “El oficio de la vida”, que son talleres para todo público, donde también habrá una lectura de cuentos para niños con Atoj Antoño. A las 11:30 se dictará un taller de panadería integral sin horno y sin esfuerzo, dictado por Maleza. Ya por la tarde, a las 14:00 inicia un taller de corte, confección y reciclado a cargo de Femisha. Para las 15:00 está prevista una demostración de encuadernación kopta a cargo de Jardín Atómico.  A las 16:00 comienza la lectura de cuentos para adolescentes, jóvenes y adultos: "Mitapora crónicas pasajeras". A las cinco será el taller de elaboración de aceites macerados y tinturas madre de plantas medicinales, a cargo de Chiri Wayrita. A las 18:00  comienza la noche de pizzas artesanales a cargo de la Kasa Muyu y después, hasta las 22:00, será la hora de la música con las bandas Motín, Awqa Sonqos, Blue Glass, De la Puta Electronics y Kachimba.

La Libre, que este 2018 festeja sus cinco años de vida, abrirá sus puertas a las 11:00 con una Feria de la Crisis, donde se exponen y venden stickers y ramas afines y por la noche presentará su concierto aniversario con Milagro Verde-Electro Huayno Sideral y de La Paz llega la banda de ska The Prestes.

BEBES Y NIÑOS

Samay también ha pensado en los niños y los bebés de seis meses para adelante y tiene contempladas actividades en varios espacios. En La Pequeteca, espacio de educación que ya cumplió tres años de vida y que está ubicado en la calle Néstor Galindo (paralela a Libertad Bolívar hacia el oeste) entre Juan de La Rosa y  Avelino Nogales, las actividades comenzarán a las 15:30 con la Bebeteca, una sesión de cuento, canciones y actividades de estimulación para niños y niñas de seis meses a tres años de edad, que obviamente deberán estar acompañadas por sus padres. A las 16:30 se presentará un taller con narración de cuento y actividades lúdicas para menores de entre cuatro y 8 años. Cabe destacar que para estas actividades hay un cupo limitado de participantes.

Ubicado en la calle Colquiri Nº 355 (media cuadra al norte de la avenida Circunvalación), el Circo el Tapeque también es parte de Samay y abrirá sus puertas a las 15:30 con Teatro de Títeres el Aguijón y la obra “La Granja de Valentín”. Además de ofrecer a la venta comida saludable a los asistentes, éstos podrán disfrutar de la Expo Circo y de una Varieté con: acrobacias aéreas y circo clásico.  El Tapeque cierra a media noche con concierto de música.

PINTURA, ORIGAMI, LIBROS y DISCOS

En el Cowork Café del parque Fidel Anze,  podrás apreciar durante todo el día una exposición pictórica de Alberto Salazar y a las 19:30 el maestro Eduardo Rodríguez Campadello  y Sergio Llanque ofrecerán un concierto de violín clásico y piano.

Siguiendo con la línea del arte plástico, la Galería de Arte Urquidi, que queda en la calle Colombia entre Baptista y España, el sábado 8 de diciembre abrirá sus puertas a las 14:00 con demostraciones en vivo de pintura a cargo de  los maestros que trabajan en la escuela de pintura y los asistentes también podrán apreciar una exposición donde se presentarán los cuadros de los hechos por los estudiantes.

El Café Kipus, ubicado en la calle Hamiraya Nº 127, entre Colombia y Heroínas, se suma a esta fiesta con el espacio Ilustrando con el Escritor, donde, de 16:00 a 18:00,  presentará la novela “Huari”, del autor cochabambino Ronnie Pierola, finalista de la tercera versión del Premio Internacional de Novela Kipus. Como parte de la dinámica de esta propuesta, mientras Ronnie habla sobre su obra, estarán varios ilustradores invitados trabajando sobre lo que se vaya conversando y al final las mejores ilustraciones recibirán un premio.

Por su lado, Árbol de Papel, que queda en el la planta baja del edificio Catalania (acera norte del Parque Lincoln y avenida Ceibos), estará abierto desde las 16:30 hasta las 20:00, con un taller de origami, otro taller dirigido a padres y la presentación de un Coro Infantil.

DISCOS, FOTOGRAFÍA, MODA Y CONCIERTOS

Pablo’s Pub, que queda en la avenida Ramón Rivero entre La Paz y Oruro, abre a las 18:30 y, gracias a una alianza con la tienda móvil Ahí Va y la Red de Músicos de Cochabamba presenta una Feria del Disco, Accesorios  y Souvenirs de  bandas de música bolivianas y horas después comenzará una serie de conciertos con Álvaro Mérida, Meidin Yapan y  Head Hunters.

La Muela del Diablo, ubicada en la avenida Potosí y Portales, abre a las 19:30 con una exposición de fotografía de Ariana Zabalaga y el concierto del  grupo Átomo.

Co Café Arte abre también a las 19:30 con un desfile de Tayka Moda, la degustación de cervezas artesanales y un concierto acústico de la banda Onda Bossa, todo esto acompañado de pintura en vivo de Marina Ferns.

MOTOS, TATUAJES, MODA, TEATRO Y MÚSICA

Giros Cantabria, que queda en la calle España Nº 286 casi Mayor Rocha, participa de Samay desde las 20:00 con una Caravana y Exposición de Motos de la que participa la Asociación de Motoqueros de Cochabamba y luego la banda Los Putos ofrecerá un concierto.

Oasis de Dalí, que queda en la España entre Mayor Rocha y México, abrirá a las 20:00 con un Desfile de Chicha Moda y una sesión de body painting con Alcon Libre, también presentará una Exposición de Diseño de Empaquetaduras  y Diseño Gráfico ESCA-Espacio Cultural Dali  y cierra con un concierto de música.

Dali Café, que queda en la avenida América y Pando, también abre a las 20:00 con una sesión de Bodypaint y Tatuajes en vivo, por Eduardo Oliva y Tattoomanía, luego habrá un desfile de los lienzos de tatuaje y bodypaint, una exhibición de la caravana de motos Las Zorras del Desierto y un concierto de cierre.

La Troje, ubicada en el kilómetro tres y medio de la avenida Capitán Ustariz, abre a las 20:30 con el estreno de la obra de teatro “Agrio” de la compañía artística RroRro Circo varieTTe. En esta obra, que apela a los “recursos teatrales contemporáneos, haciendo énfasis en la puesta en escena, a través de técnicas poéticas, simbólicas y de contenido textual” se “interpela al espectador mediante la reflexión de temas de violencia, negligencia médica y concientización compartida”.

Crítica sobre “Las Mujeres de Shakespeare”

Por Galia Yaksic (*)

La pequeña es muy aficionada a leer Shakespeare. Tiene la colección de sus obras de teatro y las ha leído casi todas, algunas varias veces. Es una conocedora de esa literatura porque la disfruta profundamente y, además de los temas shakesperianos, las tramas y la belleza del lenguaje, a ella le interesa mucho la voz que se les asigna a los personajes mujeres, y de todas ellas, Deva prefiere la de lady Macbeth. Así que, muy entusiasmada, la pequeña fue a comprar entradas con anticipación y con toda expectativa estuvo “en punto” para entrar a ver la obra Las Mujeres de Shakespeare del grupo de teatro A Rajatabla, una obra que se presentó en el teatro Achá el 21 de agosto.

Llegamos a una antesala relativamente llena. Pronto nos enteramos que la sentada era “sálvese quien pueda” o –un poco más de esta época—“arréglatelas”, porque las entradas no tenían taquilla. Tristes las dos, terminamos en una de las loreras viendo desde el tercer piso toda una fila de nueve que brillaba vacía en platea (casi hasta el tercer acto). Demás decir que el gobierno sobre uno mismo no va muy bien en la Bolivie. El público era joven (¡qué bueno!) y mientras los diálogos se desarrollaban, se escuchaba a la gente hablando y discutiendo sobre números de asiento y taquillas y butacas. Muchos llegaron tarde o muy tarde y como seis personas olvidaron –una y otra vez—apagar su celular. Papitos…

Julieta, Ofelia y Desdémona aparecieron en una escenografía pobre. Una cama a la derecha, con colchas de seda y satín. Una especie de pedestal al centro con Ofelia balanceando los pies sentada en la altura. Y un mesón type a la izquierda, sobre el cual Julieta estaba sentada o recostada y tras el cual había toda una licorería de la que el personaje adolescente sacaba de rato en rato botellitas con licor.

Después de leer la sinopsis de la obra:

"La pieza teatral reúne a cuatro personajes íconos de la literatura clásica de William Shakespeare: Julieta de “Romeo y Julieta”, Ofelia de “Hamlet”, Desdémona de “Otelo” y Lady Macbeth de “Macbeth”. Dichas mujeres nos comparten sus vidas desde su perspectiva con humor, visualizando a la mujer a través del tiempo, el amor y la sociedad.

Obra contemporizada al 2018 sin perder la esencia y cualidades de los personajes clásicos y resaltando los prejuicios que aún permanecen a través de las generaciones."

Sé que la intención era muy buena. Y, en mi filosofía: eso es lo 
que cuenta.

Sin embargo, debo confesar que –mientras veía a las actrices caminar en camisón y hablar como los personajes de Gosip Girls—casi en tono de súplica repetía en mi corazón: Merlo, Merlo…Where are you? Teatro de los Andes…I miss you. ¿Dónde están mis “Bonitas”? En algún momento de nuestra honorable historia teatral permitimos que la cultura del “one click” coopte este tan sagrado arte y lo vuelva esto, un facilismo más del siglo XXI.

En honor a la verdad, los personajes mujeres en Las mujeres de Shakespeare, no “nos comparten sus vidas desde su perspectiva con humor, visualizando a la mujer a través del tiempo, el amor y la sociedad” si no que parafrasean los resultados de una revisión rápida en Google y Wikipedia sobre las tragedias shakesperianas de las que fueron parte. Casi como cuando leo una tarea de universidad hecha a la rápida, la superficialidad de los diálogos, de la trama, de la conexión entre los personajes me resultó abrumadora. Después de algunos minutos, ya sabía yo que, si Julieta lloraba, nadie, ni las personas que estaban a su lado, podía saber qué estaba diciendo. El chillido ese era tan NO profesional, tan burdo que me puso una y otra vez en la disyuntiva de escoger entre tratar de adivinar y desconectar: obviamente desconecté, una y otra vez.

Mi amiga Desdémona tampoco hacía esfuerzo alguno por darle algo de vida a la larga y agotadora lista de observaciones psicoanalíticas que no se cansó de realizar durante las casi dos horas en el escenario. Y, por algo de vida, quiero decir: “modular” “aumentar el volumen” “vocalizar”, como si estuviera en la necesidad de comunicar algo, a un amplio número de personas, en un teatro y sin micrófono. By the way, quien ha leído, aunque fuera una sola vez alguna de las cuatro obras, después de escuchar las peroratas de Desdémona, los chismes de Julieta o las anécdotas de Ofelia, no añade absolutamente nada nuevo a su disfrute y/o conocimiento sobre el autor, los personajes, ni la tragedia en cuestión.

Una actriz genuina es la que interpretó a Ofelia, pero a intervalos, esa importantísima cualidad artística se vio completamente nublada por un guion en el que el espíritu de la muy trendy sororidad está completamente mal entendido y hasta abusado (i.e. en algún momento, llaman a las mujeres mayores/suegras: chancho, víbora, rata, etcétera). Todos, absolutamente todos los estereotipos negativos sobre la mujer joven, fueron confirmados casi sistemáticamente y sin piedad en el guion. Si, de verdad tenemos que unir el llamativo título de la obra con lo escuchado, es fácil concluir que las mujeres de Shakespeare se reducen a un grupo de amigas que se reúne para farrear, usar el lenguaje criollo postmo para analizar a los hombres de Shakespeare o para hablar (mal) de sus ñatos y reconocer la una en la otra el erotismo mojigato tan representativo de la Llajta.

No sé qué se hará en la obra “En el Taller de Shakespeare” de Horacio Oyhanarte (en la cual esta producción de Rajatabla se basó), pero fueron demasiadas disonancias chocantes, rampantes e impunes en Las Mujeres de Shakespeare como para tomar en serio esta obra.

Estirando la buena voluntad característica de la compasión que estamos tratando de cultivar, podría decir que los aspectos positivos fueron: son jóvenes haciendo teatro, se animan a presentarse así, de alguna manera consiguieron el teatro Achá, las artes gráficas impecables y el precio (cobraban más y hubiera sido indignante).

Como con los alumnitos queridos, mi nota al pie es: no es hacer nomas, hay que hacer bien y para eso hay que darle tiempo. Después del “click” sobre el mouse, es necesario CONTEMPLAR para que, en vez de un pobre primerísimo primer borrador de informe, nazca una obra de teatro trabajada, esto es: provocadora, creativa, substancial, (en este caso) jocosa, con voz propia, capaz de enriquecer a todos por igual (elenco, logística, sonidistas, músicos, iluminadores, público, parientes, amigos, ratones del teatro, etcétera). El ímpetu de los escritores por escribir, de los actores por actuar, de los productores por producir, de los directores por dirigir debiera traducirse en ganas de trabajar perfeccionando su espacio responsablemente. Eso es el arte: un noble servicio que eleva a la humanidad entreteniéndola.

Como el tiempo es precioso (por joya no desperdiciable), nos fuimos antes que la señora Macbeth entrara en escena, lo que molestó mucho a la pequeña. Espero compensar esto en un futuro cercano, ojalá con la misma obra, ya en versión final (o en limpio), a manera de reivindicarnos todas con todas.

(*) La autora es escritora, tiene una licenciatura en Comunicación Social por la Universidad Católica Boliviana y una maestría en European Languages and Literatures por la Universidad de Cambridge.

Festival de Música Misional y Teatro Chiquitos

 

Este 25 y 26 de agosto se desarrollará, en nueve municipios cruceños, el Festival de Temporada de Música Misional y Teatro Chiquitos 2018, del que participarán 390 artistas. En total serán 16 grupos (dos de teatro y 14 de música) que ofrecerán 26 espectáculos gratuitos, según han informado los organizadores a través de un comunicado de prensa.

Los escenarios serán las poblaciones de San Xavier, Concepción, San Ignacio, Santa Ana, San Miguel, San Rafael, San José, Roboré y Santiago de Chiquitos, donde ser presentarán el Coro y Orquesta Misional de Santiago de Chiquitos; el Coro y Orquesta Misional San Xavier; el Coro y Orquesta Municipal de Concepción; el Coro y Orquesta Municipal de Cotoca; el Coro y Orquesta Municipal de San Ignacio de Velasco, el Ensamble Padre Martin Schmid, la Escuela Inclusiva de Música FASSIV, la Orquesta de Cuerdas Infanto Juvenil Paz y Bien, la Orquesta de Cuerdas San Rafael de Velasco, la Orquesta de Cuerdas Santa Ana, la Orquesta Misional de Los Santos Desposorios, la Orquesta Municipal de San Carlos, la Orquesta Municipal Misional San Juan Bautista de Porongo y, finalmente, la Orquesta Infantil de San José de Chiquitos. Por su parte, el toque de las artes escénicas lo pondrán los elencos de  Teatro 4X4, Cattleya ExpressArte y la Opera San Ignacio de Loyola.

De forma paralela, los municipios han preparado una nutrida agenda  con más de 60 actividades que contemplarán desde visitas guiadas por los museos, ferias gastronómicas y artesanales hasta veladas culturales.

ELLOS TIENEN LA PALABRA

“Para mí, participar del Festival de Temporada  es una forma de compartir, de demostrar nuestra cultura y talento a través de la música de cada región… Es ganar experiencias y conocer lugares”, dice Teófilo Uraezaña, director de la Orquesta Municipal de San Carlos. Por su lado, Simón Aguape, director de la Orquesta Misional de los Santos Desposorios, asegura que este festival: “Es un evento musical donde los músicos, coros y orquestas, demuestran el trabajo y la calidad interpretativa en un alto nivel”.

“Es la oportunidad de mostrar el trabajo que venimos realizando en Cotoca, de brindarle a los niños la posibilidad de conocer nuevos lugares, demostrarles que todo lo que venimos trabajando es recompensado con estos viajes. Por último, difundimos la música misional y mostramos a los visitantes lo rico de la cultura e historia de las Misiones. También es importante porque representamos bien a nuestro municipio y a nuestro alcalde que confía mucho en nuestro trabajo”, señala Edgar Joaquín Salazar Gonzales, director del Coro y Orquesta Municipal de Cotoca.

El Festival de Temporada de Música Misional y Teatro Chiquitos es organizado por la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC), el Centro para la Participación y el Desarrollo Humano Sostenible (CEPAD) y los Gobiernos Municipales de San Xavier, Concepción, San Ignacio, San Miguel, San Rafael, Roboré y San José. Este festival se realiza desde el año 2006 “con el objetivo de dinamizar el turismo hacia la región, impulsando la música barroca misional, que caracteriza a las Misiones Jesuíticas de Chiquitos, e incorporando al teatro como parte de la oferta cultural”.

“En el Festival de Temporada son los coros y orquestas de las Misiones son los grandes protagonistas de este evento, lo que se convierte en una gran motivación para que los grupos musicales perseveren en su formación artística y encuentren nuevos escenarios para presentarse”, asegura Ana Luisa Arce, presidenta de APAC.

Por su parte, Rubens Barbery Knaudt, presidente del CEPAD, explica que el festival es una apuesta a la gestión cultural como impulsora del desarrollo y un modelo de formación a través de las escuelas de música. “En las Misiones Jesuíticas de Chiquitos tenemos pueblos que son Patrimonio de la Humanidad y la dinamización turística de esos espacios de cultura viva permiten una alternativa económica para la sostenibilidad de territorios que tienen un valor universal”, añade Rubens Barbery.

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